Pero todo cambió. No sé muy bien porqué, pero empezé a escuchar Rated R. Y toda una grata sorpresa, oiga. Sí, Rated R, lo digo desde ya, es un disco infravaloradísimo. Porque en ese trabajo, Rihanna logra superar algunos tópicos relativos al R&B y introduce nuevos sonidos en el género. Un álbum que es la consecuencia del calvario que la pobre chica vivió a manos de Chris Brown (era inevitable decirlo) y que por eso suena oscuro, muy oscuro. Baladas opresivas, toques industriales y un tono, en general, bastante alejado del pop más comercial. Con todo esto no quiero decir que fuera una maravilla. Más bien es un trabajo algo irregular, con demasiadas subidas y bajadas de tono, alguna que otra balada ramplona y algun experimento fallido. Pero al menos se escuchaba de seguido, sin tener que darle demasiadas veces al botón de siguiente.

Rihanna anunció este año, inesperadamente (al menos para mí), que estaba trabajando en nuevas canciones que verían la luz en noviembre. Yo lo he esperado con algo de interés y finalmente aquí está Loud. Si Rated R es un disco que cuenta su experiencia con los malos tratos, Loud es el intento de la de Barbados por eliminar definitivamente este fantasma del pasado. Para ello se ha tintado el pelo de color amiga mala de Barbie, se ha convencido de que es toda una superstar y ha dado continuidad al R&B más comercial de Good Girl Gone Bad.

Lo de comercial es un asunto que se ha tomado bastante en serio y que se nota en el álbum. Porque después de que Rated R no vendiera tanto como se esperaba de la flamente nueva estrella del R&B norteamericano (que se vendió muy bien, gracias a ese inesperado hit que fue, y sigue siendo, “Rude Boy”), la artista va a triunfar con este nuevo disco. Con singles muy bien estudiados para triunfar en Europa y en América (dos caras de la música mainstream actualmente, entre el dance de nuevo cuño y el R&B más clásico).

De un lado, tenemos “Only Girl (In The World)”, heredera directa del house de David Guetta (aunque producida por Stargate, los de “Don’t Stop The Music”) y por ello lista para sonar en discotecas desde Gibraltar a San Petersburgo. Por el otro, “What’s My Name?”, una colaboración con una de las estrellas emergentes del panorama urban americano, el interesante Drake, que ya es número uno en Billboard. La primera es un tema choni, poco fino, pero muy muy eficaz (y bastante efectista) que tiene una melodía vocal bastante acertada. La segunda es un temazo de R&B con ecos caribeños y de dancehall, bastante más compleja de lo que aparenta, y sumamente elegante.

Pero paremos un momento, que la ocasión lo merece. Sí, porque la conversión de parte del R&B americano en europop de ascendencia dance es un fenomeno muy interesante que bien lo merece. Todo lo empezó el señor David Guetta que hasta hace poco más de año y medio era sólo un dj que triunfaba en las fiestas ibicencas. De aquí, en tan sólo tres meses, a ser conocido mundialmente y ser uno de los únicos productores que ha congeguido colar la música de baile mainstream en los primeros puestos del Billboard. Y todo gracias a One Love, un trabajo que parecía un acercamiento del house al hip-hop y que ha acabado siendo todo lo contrario, influyendo a numerosos artistas. Pero no hay que olvidar que su mano se ha hecho notar gracias al éxito universal del “I Gotta Feeling” de los Black Eyed Peas (que a la postre es una de sus mejores canciones ever) y el disco que lo contenía (el infame The E.N.D.). Luego han venido Madonna, Kelly Rowland, Flo Rida, Kelis (la que mejor ha sabido aprovechar todo esto con su notable Flesh Tone) y… Rihanna, entre otros.

Y ahora sí, sigamos. Loud es quizá el mejor disco, o quizá el más equilibrado de la carrera de Rihanna. No se pierde en rellenos innecesarios y en apenas once canciones desglosa todo lo que tiene que decir. Hay baladas, sí, pero no son desechables. Hay algo curioso en este conjunto de canciones. Muchas de ellas las podríamos desechar en una primera escucha fácilmente, pero poco a poco nos podemos dar cuenta de que estas esconden algo más. Las baladas estarían en este grupo. La primera es “Fadin” que quizá podría pasar por una mediocridad, pero que esconde una melodía muy bonita, muy apañada y un estribillo sensacional. Es una canción que me recuerda poderosamente al buen hacer de Beyoncé en “Irreplaceable” y de la que ha aprendido como lograr una buena balada R&B. La segunda, “California King Bed”, también recuerda a Beyoncé, pero en este caso a un ejemplo de una calidad mucho más dudosa. Se trata de la pastelosa “If I Were A Boy” de la que sustrae principalmente el incio. Rihanna logra olvidarse del referente para desarrollar un tema propio y con personalidad que pule todos los errores de su compañera y acaba evocando a las baladas rock que Madonna facturaba en los ochenta.

Otra de las joyas escondidas es “Skin” que a la postre es uno de los mejores temas del disco. Un medio tempo que podría parecer algo tibio, pero que resurge como música rabiosamente moderna, compleja y arriesgada. Todo esto gracias a una base de beats que crujen que remiten al dubstep. Es la canción que más cerca estaría del sonido de Rated R, su salto al vacío musical. Prueba, todo ello, de que la chica tiene algo de cultura musical y sabe a que atenerse para hacer sus canciones.

La inicial “S&S” es una esas canciones que muestra sus armas desde el principio. Deudor, otra vez, del nuevo europop de Guetta, es un tema potente, directo, algo más sofisticado que “Only Girl (In The World)”, pero con su corazón choni. Otra de ellas es “Man Down”,  seguidora del sonido dancehall y reggae que siempre ha estado presente en su carrera (¡Hola!, Barbados) y que fraguó en “Rude Boy”. Un reggae bastante clásico con un estrbillo que pretende emular el sonido de las metralletas disparando. Todo un logro. Nicki Minaj, por su parte, también aporta su granito de arena en la salvaje “Raining Men”, un tema que suena todo lo Nicki Minaj que debería sonar y que resulta ser una versión libre  y más aguerrida del “It’s Raining Men”.

El único punto negro del trabajo es el himno etílico “Cheers (I Drink To That)”. La idea de introducir un sample de un tema de Avril Lavigne tiene su gracia, pero se abusa demasiado de ella y acaba aburriendo. La melodía tiene partes conseguidas y otras directamente horribles. El conjunto resulta ser bastante infumable, a pesar de todo. “Complicated” no es un tema despreciable, pero termina en una normalidad que te deja bastante indiferente. Quiere aplicar las bases house a un medio tempo y en ocasiones logra recuperar un cierto sonido synthpop, pero termina siendo una canción algo fallida.

 El disco acaba con la segunda parte de su gran éxito del 2010 junto con Eminem, “Love The Way You Lie (Part II)”. Sigue con la interesante moda de hacer secuelas de canciones  que ya empezó Alicia Keys con su tema junto a Jay-Z. Aquí la idea es la misma pero los resultados son divergentes. Mientras que “Empire State Of Mind” era un gran tema el de Eminem es bastante sosillo. Mientras que la continuación de Alicia Keys no era nada del otro mundo, Rihanna logra mejorar con creces el tema alargando sus participaciones vocales (que de hecho eran lo mejor de la canción original), relegando a Eminem y sus rapeos a un segundo plano, acrecentando así el drama que cuenta la letra. Podría parecer que son unos cambios tímidos, pero vaya, lo cierto es que funcionan.

Y así se cierra un álbum sólido, trabajado, bien consciente de su comercialidad pero a la vez preocupado por la calidad de los temas. Rihanna se muestra como la artista de R&B comercial más coherente y carismástica, proporcionando personalidad a una obra en la que ella no participa activamente en la producción. Un trabajo solvente que sirve como catársis de todos sus fantasmas y que también nos sirve como un estimulante compliación de las diferentes corrientes de la música comercial actual.

PUNTUACIÓN: 7,4

Se habló mucho de la orquestación a cargo de la Orquesta Sinfónica de Bulgaria, y resulta que me invade la sensación de que soy demasiado consciente de los arreglos de cuerda, de que están demasiado presentes, de que resultan por momentos intrusivos y llegan a distraer sobre las canciones en vez de proporcionarles elegancia de un modo sutil, que era lo esperado. También hablaba Guille de las letras, que eran de las que más satisfecho se sentía, y de repente me encuentro con que no me dicen nada, con que no hay el enganche emocional de antaño; que a lo mejor las anteriores eran más ingenuas, pero a mí desde luego me llegaban más y se quedaban en el recuerdo, no como ahora, que soy apenas incapaz de recordar tres o cuatro frases de memoria. Luego estaba la canción que canta Santi Capote (“Por qué no volvemos”), que se suponía que era la mejor de todas a las que les ha puesto voz (siempre se reserva una por disco, recordemos), pero “Algún detalle” o “Ni hablar” (¿por qué tengo la impresión de que este temazo está tan poco valorado?) le ganan por goleada. Y “Mientes”, la que canta Jota de Los Planetas, cuya voz siempre he defendido y cuya banda tiene canciones inmensas y es parte de la historia del pop español, pero al que creo que este estilo y esta canción en concreto no le sientan demasiado bien.

Pero por encima de todo, creo que el verdadero obstáculo no está en la orquestación, ni en las letras, ni en las voces. Todo eso lo supera fácilmente una buena melodía, y ahí sí radica el problema, en que no hay la inspiración de otras veces, y eso en un grupo tan pop supone un grave hándicap. No encuentro ninguna canción que tenga madera de hit, tal vez la que más se le acerque sea, precisamente, “Cerca”, pero por mucho que me pese no es una de las grandes de Ellos. Y aunque “Lo nuestro”, “Hasta el final”, “Justicia cósmica”, “Por qué no volvemos” o “Mientes” no están mal, eso es muy poco para los estándares de este grupo. Y “Viernes”, “Pobre caimán”, “Te echo tanto de menos” o “Aún no lo sé” directamente no me gustan. Mención aparte merece “Cumpleaños feliz”, a la que quizá sea un poco injusto señalar, pero ya que hablábamos de expectativas, pretender, como lo hacía Guille, que se convirtiera en un nuevo himno que acompañara al soplado de velas en fiestas era demasiado para una canción con tan poquito gancho.

Por no gustar, ni siquiera me gusta el título del disco, que me recuerda a otros tampoco demasiado conseguidos, como Arquitectura efímera o Astronomía razonable, con lo fantásticos que eran Deberías cambiar de opinión, Lo tuyo no tiene nombre, Ni lo sé, ni me importa o, en menor medida, Qué fue de Ellos (aunque este venía como anillo al dedo después de la larga espera entre el segundo y el tercer álbum). Y me preocupa, en fin, que Guille y Santi estén tan satisfechos con esta madurez y que yo lo esté tan poco, porque entonces ya podría ser que Cardiopatía severa abriera esa temida brecha insalvable y ya no sepa ni qué fue de Ellos ni qué será de mí.

Centrémonos, pues, estrictamente en lo musical: Ultimate contiene 19 de los singles editados por el grupo a lo largo de sus 25 años de carrera (que es, oficialmente, lo que quiere conmemorar este disco). Teniendo en cuenta que durante este tiempo han publicado alrededor de 50, es normal que la selección dé para eternos debates. Aparecen algunos clásicos del grupo que nunca han estado entre mis favoritos, como “Heart”, “Se A Vida É (That’s The Way Life Is)” o “New York City Boy”, y se echan de menos otros como “Rent”, “So Hard” o “Can You Forgive Her?”, pero, como digo, es un debate estéril. Discutir a estas alturas sobre un repertorio tan impresionante sería un esfuerzo futil, y poder seguir disfrutando de su música (casi) como el primer día es impagable.

(A la hora de escribir esto todavía no está disponible el disco en Spotify, al menos para España, pero he hecho una playlist con las 19 canciones en el mismo orden en el que aparecen en él).

EXPEDIENTE X Nº 1: La portada. Cuando ví la fotografía que sirve como portada a este susodicho álbum pensé que era horrible. Un foto horterísima, con bien de photoshop (tanto que la mujer que posa como modelo no se parece a Kylie), de una inspiración griega clásica digna de una gala de Miss Mundo celebrada en en Atenas. ¿No hubiera sido mejor elegir la portada del single “All The Lovers”? Sí, tampoco es una maravilla, pero ¿No sales más favorecida? ¿No es más elegante? Kylie parece que no se entera. Hasta aquí creo que todos deacuerdo. Pero el problema viene cuando te acercas a tu tu tienda de discos y puedes observar el disco en formato digipack. Pues en realidad no está tan mal, o eso me parece a mí. Queda bien, incluso bastante fino. ¿No? ¿Kylie como lo haces? ¿Seré que me he vuelto más hortera de lo que creía? No, no lo sé. En realidad, no lo sabe nadie.

EXPEDIENTE X Nº2: “All The Lovers”. En sus primeras escuchas “All The Lovers” me pareció un tema flojo, muy flojo. Un estribillo discretito, una melodía plana, vamos que ni fú ni fa. Ya está. Otra ves Kylie se ha equivocado eligiendo el primer single, como lo hizo con “2 Hearts”. Pues bien, nada más lejos de la realidad. El tema empieza a crecer y a crecer y a crecer… y ahora resulta que es de lo mejorcito del conjunto. ¿Y esto como puede ser? ¿Con unos mimbres tan débiles como los que he comentado como ha podido hacer su enésimo hit? Sin duda, un caso digno de un reportaje de la revista Más Allá.

EXPEDIENTE X Nº3: Éxito. Con esa foto de portada y con un single como este, me pareció que “Aphodite” pasaría a engrosar la lista de discos losers de grandes estrellas venidas a menos, justo detrás de At Last de Cyndi Lauper. Pero para mí sorpresa, ha sido todo un éxito de ventas y críticas (tanto que es su trabajo mejor valorado desde Fever). Y sí, a mí también  me ha convencido. Sin duda alguna ha influido mucho la promoción y las canciones, otros expedientes x que trataremos, pero… ¿Cómo se puede conquistar al público con una presentación tan discutible?

EXPEDIENTE X Nº4: Promoción. Aquí el misterio recae sobre los ejecutivos de EMI. La pobre Kylie tuvo que sufrir la marginación de su discográfica con su anterior disco X, un trabajo que podría haber sido todo un superventas si no fuese porque EMI, no se sabe muy bien porqué, no le dio la promoción adecuada. Aunque lanzó algunos singles que fueron más o menos radiados, no se oyó hablar nada del trabajo, condenado finalmente al ostracismo. Y eso que tenían una excusa buenísima para publicitarlo, pero no. Y ahora, los de EMI se vuelcan con la Minogue: haciendo ruido desde internet, lanzando el disco justo la semana del Orgullo Gay (una estrategia de marketing sensacional), con estrevistas en los medios… ¿Qué les ha pasado señores directivos de EMI? ¿A qué se debe este cambio de actitud?

EXPEDIENTE X Nº 5: Stuart Price. El afamado productor estaba a punto de convertirse en el nuevo Timbaland, es decir ese señor que produce a todo el mundo y que acaba de aburrir a todo el mundo con trabajos cada vez más discretos. Pero no, el honor se lo llevó David Guetta, del que ya nos estamos aburriendo un poquito. Tampoco es que los últimos credenciales de Price sean para tirar cohetes. Su producción en Day & Age de The Killers fue flojita, a ratos tosca, y en Perfect Symmetry de Keane no logró cuajar lo que parecía un cambio de estilo en el grupo. Pues bien, llega Aphrodite y Stuart Price consigue rememorar, en el mejor sentido, Confessions On A Dancefloor de Madonna; es decir, un sonido pulcro, bailable y atrayente, sin olvidar la quintaesencia de su trabajo, que recorre todas las canciones. ¿Cómo se consige eso? ¿Es Price mejor productor de lo que le presumíamos?… Más incógnitas que no sabemos despejar.

EXPEDIENTE X Nº6: Baladas que no son baladas (o todo lo contrario). Mal hicieron en anunciar que este iba a ser un disco sin baladas, un disco directo a la pista de baile. Mentira. En el disco aparecen dos o tres temas que probablemente fueron escritas como baladas, pero que aparecen travestidas en música de baile, aunque sin subir del todo los beats, ¿o no? ¿O es que fueron escritos así? Unas canciones son a mí parecer un misterio en sí mismas. Curiosamente son, también, lo más olvidable del álbum, unas canciones con suficiente calidad para considerarlas relleno, pero que no incitan mucho a volverlas a escuchar.

EXPEDIENTE X Nº 7: “Get Outta My Way”. Puede que esto no sea un expediente x propiamente dicho, pero a mí me llama la atención. ¿Porque es posible que una canción diseñada como hit internacional sea efectivamente un hit? El trabajo de melodía es muy brillante, es vigorosa, francamente disfrutable, un trallazo de pop comercial sin complejos, definitivamente la mejor canción de todo el disco. Yo sin embargo, tengo la sensación de que está demasiado calculada. ¿Pueden las fórmulas y los cálculos hacer grandes canciones? Lo dejo ahí…

EXPEDIENTE X Nº8: “Too Much”. También es un enigma como una canción que prometía tanto al ver su créditos se queden finalmente en tan poco. Porque sí, la canción está bien, pero podría haber sido un bombazo. Escrita por Jack Shears de Scissor Sisters y Calvin Harris, nada más y nada menos. Pero el tema, a pesar de tener un atractivo aire trance, fracasa en un estribillo que no consigue fraguar.

EXPEDIENTE X Nº9: “Closer” y “Cupid Boy”. Aphrodite es un disco conservador, sin temas arriesgados como los que habían en sus dos disco anteriores. Lo positivo de este planteamiento es que permite jugar sobre seguro y aquí Kylie hace eso, que es, por otra parte lo mejor que sabe hacer (su repertorio, por ejemplo, no se recordará por tener grandes baladas, que en el peor de los casos son hórridas y plúmbeas). Pues bien, sin “Speakerphone”s ni “Slow”s que valgan, Kylie se acuerda de sus fans más indies en “Closer” y “Cupid Boy”. Una es una canción ochentera que suena más o menos actual, la otra pop con buenos arreglos, los más creativos del disco sí, pero tampoco arriesgados. ¿Como se consigue fraguar en un tema conceptos tan antitéticos?

EXPEDIENTE X Nº10: Aphrodite (el disco). Pero también el disco en sí mismo es otoro expediente x. Aphrodite es el disco más satisfactorio y más solido globalmente que Kylie ha hecho en los últimos nueve años, pero todo esto lo ha conseguido sin tener ningún hit capital como sí que tenían X y Body Language (quizá “Get Outta My Way”). Podríamos decir que en él se contienen buenas canciones, algunas notables, otras más correctitas y olvidables, pero que se deja escuchar bastante bien, sin tener que darle al botón de siguiente en ningún momento. Es esta discordancia entre lo disfrutable del disco y la ausencia de temazos lo que me parece extraño, y más viniendo de una estrella pop como Kylie Minogue, pero lo cierto es que funciona. Y por eso:

PUNTUACIÓN: 7

La fórmula que articula este álbum es similar a la habitual del grupo: yuxtaponer samples vocales de la curiosa e inmensa colección de Paul de Jong con delicadas instrumentaciones de cuerda, texturas electrónicas y la suave voz de Nick Zamutto. No obstante, en “The Way Out” restan protagonismo a la parte instrumental –reduciéndola a unos simples pero acertados acordes arpegiados de guitarra y bajos ágiles a lo Squarepusher– y hacen de los samples vocales el elemento central de la labor de composición; confiriendo a las canciones de una emoción y personalidad que ningún instrumento podría haberles dado.

Al contrario que otros compañeros de estilo como DJ Shadow, Double Dee & Steinski o Godspeed You! Black Emperor, The Books utilizan unos tempos y unas fuentes mucho más estrafalarias, como casetes de meditación/autoayuda o programas de televisión infantiles de procedencia inescrutable, que pervierten con efectos y cambios de orden de palabras; convirtiendo, por ejemplo, una cinta para bajar de peso en una lección sobre cómo engordar. Esto resulta muy gracioso en algunos momentos, pero también excepcionalmente cansino en otros, como por ejemplo en la pista 7, “Chain of missing links”, en la que un gurú nos explica durante cuatro minutos que nuestro cuerpo está compuesto de átomos y fluido vital «al final era verdad», para luego quedar en ridículo al ver sus palabras trabadas.

Aunque en contadas ocasiones como ésta su macabro sentido del humor deje de hacer gracia sin que ellos parezcan darse cuenta, The Books han conseguido un disco extraordinario por su cualidad de amalgama musical y emocional.
Así, géneros tan dispares como el post-rock (pista 2 “IDKT”), el jazz-fusión (pista 3 “I Didn’t Know That”), el techno (pista 6 “I Am Who I Am”), el hip-hop (pista 12 “The Story of Hip-Hop”) o el folk (pista 13 “Free Translator”); se disuelven en una gran pieza sonora que, inexplicablemente, goza de gran cohesión y homogeneidad.

La escucha de “The Way Out” me ha hecho recorrer gran parte del espectro de emociones que la música puede provocar en una persona [ver gráfico debajo de este párrafo]. Ha habido momentos en que me he sentido profundamente relajado y otros en los que me he enfadado y hartado ante lo repetitivo y predecible de la música, para luego maravillarme ante la versátil habilidad musical y sentido del humor con el que se soluciona el problema. Ahora bien, el placer derivado de la escucha de este disco no es exclusivamente intelectual: hay momentos de melodía y ritmo mágicos y accesibles como la visceralidad maquinera de “I Am Who I Am” o los coros funk de “I Didn’t Know That”, que es lo más parecido a un hit pop que el dúo haya articulado.

Pero el mejor momento de todos – el micromundo más fascinante de los catorce que pueblan la constelación de “The Way Out” – es el single y pista 4 “A Cold Freezin’ Night”, en la que escuchamos a un niño y una niña (¿hermanos?) discutiendo de forma cada vez más violenta a ritmo de un beat 1/1 que luego se vuelve disco con arreglos de harmónica country, trompetas, relojes de cuco, gritos (!!!) y percusiones electrónicas como detrance chungo. La niña por lo visto se siente hombre y además presenta síntomas de psicopatía, diciéndole a su hermanito cosas como «Te puedo matar de la forma que yo quiera; probablemente lo haga cortándote los pulgares de los pies y abriéndome camino… hasta tu cerebro» o «Te voy a arrancar el pelo y te quedarás calvo». Angelico…

Sería muy discutible decir que “The Way Out” es el mejor disco de la carrera de este dúo neoyorquino si tenemos en cuenta que han firmado obras magnas e indescriptibles como “Thought for Food” (2002) o “The Lemon of Pink” (2003); pero lo que está claro es que con este álbum han explorado los confines de sus recursos sónicos hasta límites insospechados: tanto hacia su extremo más frío, extraño, repetitivo y aburrido; como al más cálido, sencillo, melódico y armónico.
“The Way Out” hace de sus peores manías su mayor atractivo y encuentra en el abuso de las mismas su peor defecto. Es casi una obra maestra.

PUNTUACIÓN: 8,9/10

Todo lo que viene es deducción, porque no conozco más de ellos que lo que se puede inferir de su myspace, pero tengo la impresión de que los mexicanos Capullo (¡gran nombre!) son tres amigos (Isra, Sandunga y Cryz, jovencísimos de apariencia) que están en esto para pasar un buen rato e intentar contagiárnoslo a los oyentes, hablando de paso de lo que consideran importante de mundo que les rodea. Y en los tiempos que corren el amor ya no es lo único universal, así que nos ofrecen un EP de seis canciones con el apropiado título de Informática romántica para avanzados, en el que la pasión, los ordenadores y la red están interconectados. Y así, variantes diatópicas aparte, no es difícil sentirse identificado con frases como “En la cuadra el internet se ha ido, todos estamos ya muy aburridos. [...] No sé nada de la vida real, no tengo amigos” (“Prendo el ordenador”) o imaginar la entrañable historia que propone “Power point de amor”: “Tengo tanto, tanto miedo de mandarte un power point de amor. [...] Chécalo a solas, no te vayas a burlar. [...] Vamos, ábrelo, no viene del intelecto, viene del corazón”.

En lo estrictamente musical Capullo hacen un pop electrónico desacomplejado en el que incluyen elementos de merengue y otros ritmos latinos que, no se asusten, contribuyen de un modo magnífico a amplificar el carácter festivo y bailable de la mayoría de sus temas. Si quieren probar a ver si, como a mí, les enganchan instantáneamente, pueden bajarse el EP a través de este enlace. Bajo estas líneas pueden escuchar “Power point de amor” y, como bonus track (no va incluida en el disco), la que debería ser una de las canciones del verano: el “Merequeteke”.

Power point de amor by capullo

Merequeteke by capullo

Kala

Pues vaya que si lo ha hecho. Este nuevo trabajo es una nueva muestra de la personalidad arriegada y del talento musical del su creadora. Y además consigue despejar de una vez por todas las dudas que temíamos sobre si la calidad de su trabajo era mérito propio o más bien culpa de su (hasta el momento) inseparable productor. Por que aquí M.I.A. relega a un segundo plano a Diplo para tomar las riendas de su obra, asumiendo todas las cosecuecias y responsabilidades.

M.I.A. nos dijo que quería un disco animalcollectiviano, raro y vanguardista, y es así. Pero los de Baltimore no son la única influencia visible en este álbum. Sin nombres como los de Sleigh Bells (grupo que fichó para su propio sello discográfico y que han publicado este año uno de los debuts más molones y arrebatadores del lo que llevamos de año) o Lady Gaga (aunque suene extraño) no podríamos entender el sonido que conforma este brillante trabajo. Unas influencias que se mezclan y se remzclan en esa mágica coctelera que es Maya, para crear una musica personal y sabrosísima. Una Maya que se nos presenta más ecléctica que nunca, pero también más ruda, más salvaje.Y es por este motivo que el disco suene descontrolado y caótico en un primer acercamiento. Pero poco a poco, dejando reposar cada escucha, todos los ingredientes van ocupando su sitio y se transforman en vigorosas y estupendas canciones.

El disco se abre con ese pequeño engaño de menos de un minuto que es “The Message”. Una canción que tomaríamos como una intro más, como una broma intrascendente, pero que reúne todos lo elementos que configuran el grueso del álbum. A partir de aquí M.I.A. se vuelve más pop que nunca en el single “XXXO”. Después de las acusaciones que le hizo a Lady Gaga de que la copiaba mejor que ella misma, este tema es un trallazo electropop, que mezcla comercialidad y riesgo, un tema que parece reírse de sus declaraciones y de la Gaga, cómo diciéndole a la Germanotta: sí tu me copias, yo también lo hago, y puede que mejor que tú.

Claro que si “XXXO” es un tema comercial, muy digerible para las masas, la canción que le sigue es totalmente lo contrario. “Teqkilla” es en sus seis minutos de duración lo más experimental que ha firmado la artista. Es un auténtico pastiche, un orgía cacofónica, de ruido y soniditos desinhibidos, que además es un auténtico himno a las bebidas espirituosas. Un tema que podría ser la evolución lógica de estas maravillosas batucadas de Kala, “Boyz” y “Bird Flu”, en el que se cambian los tambores por raquíticos beats electrónicos. Una música electrónica, que como atestiguan “Story To Be Told”, “Lovalot” o “Tell Me Why” toma más presencia en su discurso. Una electrónica que bebe, como era de esperar, de los Animal Collective más accesibles y a los que se aúnan el R&B y el hip-hop por una parte y el pop, por otra.

“Born Free” y “Feds and Meds” conformarían la parte más rockera del disco, con la influencia clara de Sleigh Bells. Rugosos y musculosos riffs de guitarra eléctrica sobre una base que no nos costaría ver en un hit de Beyoncé o Rihanna y un aliento cheerleader, que me recuerda mucho a esa maravilla de Gwen Stefani llamada “Hollaback Girl” (y que no por casualidad muchos dijeron que era una canción que podría haber compuesto M.I.A.). Entre ellas, aparece un clásico reggae llamado “It Takes A Muscle”.

/\/\/\ /\ Y /\ es un disco extraño, que te descoloca por momentos, pero que conserva totalmente la esencia del trabajo anterior de Maya, cambiado, transformado en una nueva experiencia musical estimulante, por momentos fascinante. Una tarea arriesgada, trabajada y que forma parte ya de una de las tres idas de olla más fantásticas que hemos podido presenciar (de momento) este año 2010, junto al Have One On Me de Joanna Newsom y el Tomorrow, In a Year de The Knife. Un trabajo que no sé si será entendido, pero que a mí, que adoro las idas de olla, me encanta.

PUNTUACIÓN: 8,9/10

Dum Dum Girls empezaron sorprendiendo con unos cuantos trallazos como “Longhair” antes de sacar este primer largo. Sucios como sólo el garage y el lo-fi pueden serlo y con unas influencias del C86 que parecían apuntarlas al carro de The Pains of Being Pure at Heart y de los 50-60 que las acercaban a Best Coast, como tantas otras bandas de aire deliberadamente retro.

En I Will Be, las Dum Dum Girls usan todos sus trucos: las harmonías vocales, la reverberación, los estribillos repetitivos, las melodías de pop cincuentero a lo Phil Spector; pero más limpios y quizás algo exagerados por la producción de Richar Gottehrer, productor también de The Raveonettes. Podría quedarse en una mera lección de estilo si no fuese por el empeño constante de las chicas de buscar el single perfecto, por su buen ojo para las melodías -que es difícil que no entren a la primera- y por su capacidad de retorcer el modelo hasta que vuelve a sonar nuevo otra vez. A I Will Be se le puede acusar de repetitivo en ocasiones, pero no puede cansar porque no llega a la media hora de duración. También interrumpe el subidón acelerado de temas como “Jail La La” o “Yours Alone” con canciones como “Rest of Our Lives” o “Baby Don’t Go“. Entre estos temas más calmados hay también una colaboración con los Crocodiles para alimentar el cotilleo indie en la que el cantante y novio de una de ellas les dice lo bien que lo están haciendo y que están pasando de patito feo a cisne. Habrá que estar atentos para ver en qué acaba esta transformación.

A los pocos días, me lo vuelvo a poner. “Doe Deer” vuelve a no entrarme. Pero la aguanto entera y empieza “Baptism”. Y ahí ya dije “venga, vale, YA SÍ”. Al final he acabado teniendo el disco puesto en bucle toda la semana de cara al SOS4.8 del fin de semana pasado, donde Crystal Castles dieron el que fue para mi gusto el concierto del festival (no hay más que ver este vídeo) teniendo sólo unas cuantas maquinitas, unas luces estroboscópicas, un buen puñado de cancionzacas y una frontwoman con ganas de tirarse lanzarse al público (hasta tres veces lo hizo, con grave perjuicio para algún que otro objetivo de cámara según me contaron). A tope, aunque no la liara tanto como en el Sónar del año pasado (casi mejor, que íbamos con miedo a que repitiera y nos dejase con el concierto a medias).

Crystal Castles, el (segundo) disco, mola. Sin más. Sonando menos nintendero que el anterior y mucho más ¿bakala?, tiene al menos siete temas de los de marcar como favoritos en last.fm o en el nuevo jari que es Spotify. 7 de 14, no está nada mal: “Fainting Spells”, “Celestica” (el primer single), “Year of Silence”, “Intimate” y sobre todo; “Baptism” (de los temas que más levantaron a la gente en el concierto murciano, luz mediante) es una especie de “Alice Practice” algo más refinada, y “Vietnam” (rebautizada por parte de twitter como “Ay, julai” – y que no sonó en el SOS) recuerda a unos Klaxons disparados, a algo de lo que hicieron Kap Bambino pero, sobre todo, recuerda a los propios Crystal Castles (la canción es a este disco lo que “Crimewave” era al primero; la que queda a medio camino – pero bien – entre los temas más reposados y los más gritones). Pero ojo, que esto no quiere decir que las 7 pistas restantes sean de relleno (bueno, quizá “I am made of chalk”, que cierra, lo sea un poco), porque entre ellas quedan temas “menores” pero de nivelón, como “Pap smear”, quizá la más pinchable y remixeable, o “Empathy” y “Suffocation”, más tranquilas… para lo que son estos dos canadienses. Es muy pronto (y ahí están amenazando The Dead Weather o los Black Keys), pero mucho tiene que dar de sí 2010 para que este no sea el mejor disco extranjero del año.

De estas situaciones ha salido una obra como Soldier Of Love. Una obra de contrastada madurez, tanto personal como estilística, y en el que revisan y amplian su bagaje musical desde una posición privilegiada en el mundo de la música. Y aunque Soldier Of Love no entre en el cupo de los disco más memorables del grupo, ya les gustaría a muchos ampliar su discografía con trabajos como éste.

Y es que la sabiduría que dan los años es un valor seguro. Sade mantienen la elegancia, la sutilidad y la sensualidad que siempre les han caracterizado. Un sonido en el que han sabido mezclar como nadie el soul, el rythm and blues y el jazz. Su nuevo material no implica mucho riesgo, más bien se limitan ha hacer lo que mejor saben hacer, pero hay suficientes buenas y bellas canciones para que merezca la pena.

Entre todas ellas destaca el primer single homónimo. Un auténtico patchwork musical en el que las guitarras eléctricas, las guitarras españolas, los vientos y las cuerdas se entrelazan a la perfección componiendo un fascinante colchón sonoro, al que la voz de Sade vuelve a aportar, sí, una vez más, sensualidad y elegancia.

Pero también hay lugar para los pasajes más tranquilos y evocadores. Desde las preciosas baladas de aire jazz como “The Moon & The Sky” o “In Another Time”, hasta el soul de “Babyfather”, segundo single editado y con un inspiradísimo estribillo.

Soldier Of Love se presenta como una reafirmación del talento del grupo, de filtro y condesación de toda una carrera y también como un interesante disco que sólo podría haber sido facturado desde la madurez y la sabiduría de unos privilegiados.

PUNTUACIÓN: 8/10