Me gustaría poder decir que el hecho de que la vuelta de esta sección haya coincidido con el Oscar que ha recibido esta madrugada Jeff Bridges es una coincidencia de esas que hacen que la vida sea un poco más agradable. Mentiría si lo hiciese. No es que yo tenga nada en contra del protagonista de ‘Starman’. Al contrario, Bridges es un actor de los que ya no quedan, capaz de interpretar aún cuando aparece de espaldas, sin que se note, sin llamar la atención con tics o excesos y sin necesitar de grandes momentos de guión para llegar al espectador. Un ACTOR, en mayúsculas, que ha sabido llevar una carrera más que digna, sin hacer tanto ruido quizás como otros compañeros de generación pero que, desde luego, tiene unos cuantos títulos que serán vistos dentro de 50 años. Entre esos títulos no estará, y no creo que me equivoque, ‘Crazy Heart’, una película discreta y pelín aburrida que tarda mucho, demasiado, en permitir que Jeff saque a relucir lo mejor su repertorio. El director y guionista, del que ni me voy a molestar en quedarme con su nombre, se pasa todo el metraje subrayando absolutamente todo – hasta un telefilme es más sutil – y sólo en los 20 minutos finales deja a Bridges el espacio suficiente para que éste despliegue todo su talento. Con esto no quiero decir que la interpretación sea mala, o regular, ni mucho menos, pero los que hemos visto de lo que es capaz este hombre, sabemos que con ‘Crazy Heart’ se queda a medio gas. El hecho de que se marque algún punteo de guitarra o que interprete él mismo las canciones – con esa voz ya podrá – tiene su mérito pero, insisto, si nos gusta Jeff Bridges es precisamente porque nunca ha necesitado de este tipo de chorradas para convertirse en uno de los mejores actores de la historia del cine. Aquí van, sin ningún tipo de orden, tres películas que suponen, además de una muestra del talento de nuestro actor protagonista de hoy, tres ejemplos de películas que puedes ver 14 veces y 14 veces que te quedarás con la boca abierta.

Una mujer difícil The Door in the floor de Tod Williams (2004) Los que quieran saber más sobre Tod Williams o sobre la novela de John Irving no tienen más que buscar en google y seguro que obtendrán unos resultados totalmente satisfactorios sin necesidad que tenerme a mi copiando y pegando. Lo importante de esta película es, obviando la indiferencia con la fue recibida en el momento de su estreno, que sólo necesitas 10 segundos de visionado para darte cuenta de que estás ante algo especial. Especial por su ritmo, su atmósfera, su guión, sus actores – Kim Bassinger nunca ha estado mejor -, por lo que dice, por lo que no dice, por cómo el personaje de Jeff Bridges introduce en su relatos aspectos de la vida real, por la escena de la tienda de marcos, por los pechos de Mimi Rogers, por esa otra escena en que Kim Basinger le deja al chaval su ropa interior dispuesta encima de la cama para que éste se pueda masturbar a gusto, etc. ‘Una Mujer Difícil’ es bastante barata y fácil de conseguir. Hace poco la regalaron con Público y creo que la he visto en la fnac por 5 euros. Deberían verla.

La última película Last picture show de Peter Bodganovich (1971)
Si han leído el libro de Peter Biskind, “Moteros Tranquilos, Toros Salvajes”, estarán al tanto de todas las anécdotas y chascarrillos que propició su rodaje y posterior estreno. Se rodó en una época maravillosa para el cine de Hollywood donde hasta el más gilipollas de la clase conseguía rodar una película, apoyándose en los ‘logros’ del cine europeo, y le quedaba cuasi perfecta. Y eso que la historia que narra el film dirigido por el psiquiatra de la Doctora Melfi no puede tener un punto de partida que me interese menos. Tampoco ese tufillo a ‘voy a hacer una película europea’ ayuda pero, las cosas como son, ‘La última película’ es algo bastante especial. Uno de esos casos en los que se juntan la suerte, el talento o la inspiración y se consigue algo que nunca jamás, por mucho que reunas a los mismos personajes 20 años después, puedes volver a lograr. Peter Bodganovich, aunque siguió rodando y consiguió algunas cosas destacables, fue engullido por el éxito de esta película y jamás volvió a leventar cabeza. Suponemos que le dará igual porque al menos consiguió dirigir la que es si duda, al menos para mi, una de las mejores películas que se han hecho jamás. Da un poco de cosa ver a Jeff Bridges y a Cybill Shepherd hechos unos chavales. Uno con todo el talento del mundo para interpretar y la otra… tan guapa.

Los Fabulosos Baker Boys The Fabulous Baker Boys de Steve Kloves (1989)
Alguien debería estudiar el caso de Steve Kloves porque yo, por más lo intento, no consigo entender como un tío que escribe y dirige una película tan única como ésta – entendiendo única en el sentido de que jamás se volverá a hacer algo así – termina escribiendo los guiones para Harry Potter. Otra vez, y como en el caso anterior, al menos él puede presumir de haber rodado una puta obra maestra que sólo tiene un fallo. Es gordo, sí, y cuando recuerdas lo mucho que has disfrutado viendo la película siempre te viene a la mente, con el ruido de un motor de F-16, a estropearte el recuerdo. Sí, estoy hablando de la escena del casting. Obviamente no me refiero al casting de Michelle Pfeiffer – por cierto, alguna vez se han preguntado por qué esta mujer goza de tan buena prensa cuando no hace más que putas mierdas? Pues por ‘Los Fabulosos Baker Boys’. Estoy seguro de que después de su rodaje podría haber asesinado a toda la familia Kennedy y aún así el público la seguiría queriendo – sino al casting de todas las demás candidatas. Apenas dura 5 segundos pero, de verdad, ahí está la diferencia: por eso los críticos de cine siguen afirmando que todavía no se ha rodado la película perfecta.
Al comienzo del artículo me quejaba de que en ‘Crazy Heart’, Jeff Bridges no tiene el espacio suficiente para desplegar todo su talento. Bien, pues en ‘Los fabulosos Baker Boys’ ocurre todo lo contrario. La escena en la que llega a casa, resacoso, y se tumba en el sofá con el perro hasta que aparece la niña/vecina debería haber bastado para que le hubieran dado un Oscar no, 63. Si no recuerdo mal, él no abre la boca y no hay más acción que la que yo he descrito pero es suficiente para dejar al espectador un par de cosas claras.

En general, no suelo confiar en mis habilidades ‘literarias’ – iba a poner ‘periodísticas’ pero es que eso tampoco – a la hora de convencer a alguien para que vea una película pero en los tres casos que nos ocupan hoy ni juntando el buen hacer de Ellroy/Capote/Cunningham se podría escribir algo que hiciese justicia a tanto talento. Lo único que puedo añadir es que es bastante fácil conseguir los dvd´s y creo que por menos de 20€ pueden tener en la estanteria de su casa tres películas realmente necesarias. También, supongo, se podrán bajar de internet. Cualquier opción es buena.

El corazón del ángel Angel Heart de Alan Parker (1987) Alan Parker dirigió el que es probablemente su mejor film con Mickey Rourke como protagonista. Lisa Bonet, cuyas escenas de sexo con Mickey molestaron a Bill Cosby, Charlotte Rampling y Robert de Niro lo secundan estupendamente. “El corazón del ángel” fue en su momento todo un éxito gracias a un final que estaba en boca de todos pero, vista por segunda vez ya sin el factor sorpresa, sigue mereciendo la pena. Alan Parker cumple y la ambientación en Nueva Orleans hace que la película sea siempre una experiencia visual bastante interesante aunque, siendo sinceros, algunos momentos son un poco facilones.

La Ley de la calle Rumble Fish de Francis Ford Coppola (1983)
Fue un año dificil para Coppola. Rodó dos películas que fueron un fracaso de público, ambas basadas en novelas de Susan E. Hinton y, a pesar de que ya había comenzado el rodaje, aceptó dirigir “Cotton Club” como un favor personal a Robert Evans. Otro fracaso de taquilla. Poco importa todo esto a estas alturas porque los tres films son estupendos y “Rebeldes” y “La ley de la calle” son poco menos que obras de culto. Esta última, protagonizada por un estupendo Rourke, fue la que hizo que la crítica comparase al actor de “El luchador” con Marlon Brando. Años después, Coppola volvió a contar con Mickey para la grande e infravalorada “Legítima defensa“. En realidad fue un papel secundario que Coppola le dio como favor personal ya que nuestro actor de moda estaba prácticamente en la ruina.

Manhattan Sur Year of the Dragon de Michael Cimino (1985)
Cinco años después de que Michael Cimino arruinara a United Artist con la monumental e inabarcable “La puerta del cielo”, y cuando todo el mundo pensaba que jamás volvería a hacer cine, se estrenó esta Manhattan Sur. Una de esas películas que sería imposible rodar hoy en día donde un policia, Mickey Rourke, se propone acabar con toda la mafia de Chinatown. Sencillamente impresionante su violencia, su fotografía y la fascinante forma de rodar que tiene (¿tenía?) Michael Cimino. Probablemente una de las mejores películas policiacas que nos dejó la década de los 80. Ay, qué tiempos.

Milk (Mi nombre es Harvey Milk). Vaya por delante que Gus van Sant es, sin duda, uno de mis directores favoritos, y especialmente por esas dos obras maestras que son Elephant y Last Days, películas que, además, tienen la dudosa virtud de hacer que, si afirmas abiertamente que te encantan, algunos te tachen automáticamente de gafapasta, cultureta o, directamente, mentiroso (sigo sin comprender muy bien que alguien pueda pensar que digas que algo te gusta sin ser así para dártelas de algo, sea lo que sea). Esta historia que narra la vida del activista gay Harvey Milk nos devuelve a un Van Sant cercano a un tipo de cine más convencional, aunque no tanto como el de El indomable Will Hunting. Y la vuelta a las reglas establecidas la salda con un notable. En mi caso, además, me hizo interesarme sobre la hasta entonces, desconocida para mí, figura de Milk, y buscar más información acerca de él. Luego está Sean Penn, un actor como la copa de un pino, que, disculpen el tópico, está de Oscar, aunque lo tendrá difícil, ya que casi todas las quinielas dan como vencedor a Mickey Rourke en esa categoría. Igual que algunos piensan que, cualquiera que sea su papel, Jack Nicholson siempre hace de Jack Nicholson, o Robert de Niro de Robert de Niro, pocos habrá que tengan algo que objetar a la tesis de que Penn es capaz de adquirir de un modo asombroso la personalidad del personaje al que interpreta. Me gustaron también mucho James Franco y Emile Hirsch, y me provocó bastantes más dudas Diego Luna, aunque también es cierto que el problema es achacable a cómo está dibujado su personaje: da la impresión de que, a pesar de lo impactantes de algunas de sus escenas y de lo afectado de su interpretación, podría haber tenido un mayor peso en la historia, en lugar de estar tan difuminado. La película emociona, y, sí, hay momentos que podrían considerarse tramposos o de lágrima fácil (esas velas…), pero Van Sant sabe mantener el equilibrio y superar bien el riesgo que suelen tener los biopics de caer en el desprestigiado melodrama de telefilme. eurocero

The reader (El lector). Esta era una de las que más pereza me daba ver, principalmente porque no tenía muchas referencias de ella (no conozco la novela) más allá de que era otra de nazis, un subgénero muy abundante no solo este año sino también en los últimos tiempos. Sin embargo, el hecho de que la dirigiera Stephen Daldry, probablemente el director que más me ha hecho llorar en un cine (con Billy Elliot), y las buenas críticas (Globo de Oro incluido) recibidas por la interpretación de Kate Winslet fueron suficientes para convencerme. El nazismo es, en efecto, uno de los elementos sobre los que gira la historia, pero no puede decirse que sea el tema central de la película, que entremezcla los placeres del sexo y la lectura con el peso del sentimiento de la vergüenza, determinante en el desarrollo de la acción. El lector engancha desde el primer minuto, y tiene tres partes diferenciadas: una primera de coming-of-age, una segunda que gira en torno a un juicio, y, finalmente, un epílogo que cierra la trama, siendo esta última, curiosamente, la que ralentiza un poco el entretenido ritmo marcado hasta entonces. Kate Winslet tiene grandes escenas de lucimiento, tanto interpretativo como físico, lo mismo que el adolescente David Kross, con muchas escenas sorprendentemente subidas de tono para lo que suele ser el estándar de Hollywood. Menos ocasión de lucimiento tiene Ralph Fiennes, más espectador que parte activa. No es, en fin, una película a la que vea ganando el Oscar (sí a Kate Winslet, si Meryl Streep se lo permite) o que se vaya a convertir en un clásico, pero abstrae y emociona durante un par de horas, y de eso se trata la mayor parte de las veces, ¿no? eurocero

Frost/Nixon (El desafío: Frost contra Nixon). La trayectoria de Ron Howard puede calificarse como irregular si se es generoso o mediocre con destellos siendo más estrictos. Después de aburrirnos con El Código da Vinci, se ha atrevido con esta adaptación de una obra teatral basada en hechos reales sobre el ocaso definitivo del presidente Nixon tras el Watergate. Toda la película gira en torno a la entrevista que un presentador británico de programas de entretenimiento, David Frost (sólidamente interpretado por Michael Sheen), logra realizar a un acabado, pero con afán de redención, Richard Nixon (Frank Langella). Pese al miedo que podría dar estar centrada en una entrevista, y el carácter altamente documental (incluyendo declaraciones intercaladas de los personajes) el film acaba funcionando no sólo como testimonio histórico ciertamente interesante, sino también como drama y confrontación interpretativa. Y es que a pesar de narrar hechos conocidos y anticipados, logra mantener el ritmo y la tensión hasta el último momento, en parte gracias a la mimetización que hace Frank Langella con el presidente y que le ha valido una merecida nominación al Oscar a mejor actor; basta con revisar las entrevistas reales a Nixon para entender los motivos. duka

Manhunter (1986) Hannibal Lecter debutó en el cine en esta película de culto, rescatada por los fans de Mann tras el éxito de Heat, protagonizada por el ahora famoso Grissom de CSI en donde el director de El Dilema hace ya gala de su característico estilo visual, su sentido del ritmo y esa capacidad para crear atmósferas que ya quisiera Ridley “pongo un par de velas” Scott. Aunque en su momento pasó desapercibida, ni la crítica ni el público respondieron, Manhunter ha tenido al menos tres oportunidades para ser revisitada. Tras el éxito de El Silencio de los Corderos, muchos volvieron la vista atrás para rescatar la primera aparición de Hannibal el canibal en la pantalla grande. Decepcionados por la poca presencia del personaje, unos 5 minutos, y condicionados por la interpretación de Anthonny Hopkins, la película volvió al olvido de donde fue rescatada, como decíamos, por los fans de Heat. Se apreciaron entonces algunas constantes del cine de Mann como el uso de la música, la creación de atmósferas y el talento para definir a los personajes hasta limites insospechaos gracias en parte a su talento como guionista, a los actores con los que se rodea y su capacidad para parar la acción de la trama y dedicar el tiempo necesario para que el casting pueda hacer su trabajo. La tercera oportunidad de recuperar Manhunter fue el estreno del remake, malo hasta decir basta, protagonizado por Edward Norton. Si no la han visto todavía no dirán que es por falta de oportunidades.

Heat (1995) Atención: spoillers. La vendieron como la película en la que compartían plano por primera vez Robert de Niro y Al Pacino y, aunque es cierto, Heat es mucho más que eso. Perfeccionando los apuntes que esbozó en Manhunter, Mann da un paso más en la fotografía, planificación, estilo visual, etc. y define su estilo en esta mastodóntica obra maestra de 3 horas de duración donde no sobra ni un sólo minuto. Cine negro donde el espectador tiene oportunidad de ver las motivaciones de los personajes, su entorno familiar (otra constante: la incompatibilidad entre la vida laboral y familiar) y sobre todo, el talento de Michael a la hora de dotar de un pasado a los personajes sin necesidad de hablar de ello. Es decir, en la primera escena de la película, De Niro necesita un único primer plano para definir al personaje y dejar claro el tipo de persona que es, de dónde viene y por qué es así. Es por eso que, a diferencia de Pacino que se pasa toda la película un par de tonos por encima de lo que necesita el personaje, De Niro es el mejor actor del mundo. Los fans de la película se cuentan por millones y en youtube se pueden rescatar algunos de los momentos preferidos por la audiencia. A destacar el tiroteo tras el atranco al banco (montaje, la ausencia de música para que puedas oír los jadeos de los personajes al correr… todo perfecto), el final con la persecución en al aeropuerto y, mi favorito, el momento previo a esa persecución donde el personaje de De Niro pone en práctica su lema de “Don’t let yourself get attached to anything you are not willing to walk out on in 30 seconds flat if you feel the heat around the corner” y vemos, otra vez, lo buen actor que es y la mala suerte que ha tenido Amy Brenneman. No es normal que después de mantenerle la mirada al protagonista de Taxi Driver en esa escena, sólo hiciera Daylight y tuviera que refugiarse en la televisión. El final, con un moribundo Robert De Niro dando la mano a Al Pacino para no morir sólo, admitiendo que éste ha sido un buen rival y la cara que pone Al es de los más emotivos que hay. Yo habré visto la película unas doce veces y siempre se me escapa la lagrimilla. La escena dio más de un quebradero de cabeza a Mann, perfeccionista hasta grados enfermizos por la música que Elliot Goldenthal había compuesto para el final. Al final, el director optó por una pieza de Moby que, las cosas como son, era lo que necesitaba la historia. Aquí el vídeo con la música de Elliot Goldenthal y aquí con la de Moby. No hay color.

El Último Mohicano “The last of the mohicans” (1995) Basada en una novela de James Fenimore Cooper, que ya había sido llevada a la pantalla con anterioridad, Michael Mann realizó un film clásico de aventuras que, tampoco esta vez, consiguió el éxito que esperaba. Y no se comprende porque El Último Mohicano es para verla apagando el móvil y desconectando el fijo para que no te molesten. Estéticamente, no tiene nada que ver con los anteriores films de Mann dando la sensación de que el director simplemente quería darse el gusto de rodar una película de aventuras como las que se hacían en los años 50 en Hollywood. Lejos de autorías absurdas y pedantes, Mann consigue su objetivo limitándose, que no es poco, a dejar que avance la historia con buen pulso y a rodar las batallas de la forma más espectacular posible demostrando que vale lo mismo para un roto que para un descosido. Ideal para verla en familia y pasárselo como un enano.

Sin noticias de Dios Agustín Díaz Yanes (2001) Después de arrasar con su ópera prima “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”, Agustín Díaz Yanes dispuso para su segundo trabajo de un reparto internacional y un gran presuesto para esta pequeña joya incomprendida que es Sin Noticia de Dios. Victoria Abril viene del cielo (donde se habla francés y se viste como en los años 40) y Penélope Cruz, que ya había comenzado a meter la patita en Hollywood, viene del infierno (donde se habla inglés y sólo se come comida basura) para luchar por el alma de un boxeador zumbado. Un guión original – al que le falta un poco de unidad pero que tiene más buenas ideas por minuto que toda la cosecha cinematográfica nacional de este año -, un reparto genial donde Pe está divertidísima y el buen hacer del director hacen que la película no sea tan mala como nos la pusieron. Merece ser rescatada aunque sólo sea por la originalidad de su propuesta.

Todo es Mentira Álvaro Fernández Armero (1994). Después de su celebrado corto “El Columpio”, Armero debuto con esta estupenda película protagonizada por Coque Malla, Penelope Cruz, Jordi Mollá y Christina Rosenvinge. Divertida y original, Todo es Mentira dio la oportunidad a Pe de componer un personaje adorable y despreciable a la vez interpretando a una chica “normal”. Las escenas cumbre llegan casi a la docena pero destacamos los despertares de nuestra protagonista, el “que te abrace tu puta madre“, la escena de “me gusta cómo se mueve tu culito cuando friegas” y el Pisto. Armero volvió a trabajar con Cruz en “Brujas” pero no consiguió tan buenos resultados. Tuvo que volver con Coque Malla y Maria Esteve, sustituyendo a Cruz, para recuperar un poco el tono de su insuperable ópera prima. Después vino “El Arte de Morir” y nunca más se supo.

Belle Epoque Fernando Trueba (1993). Probablemente la mejor actuación de Penélope Cruz hasta la fecha. En uno de sus primeros trabajos se metió a todo el público en el bolsillo con su divertida interpretación de una quinceañera que se pasa el día ofuscada entre los ligoteos de sus hermanas. El guión de Azcona, por supuesto perfecto como siempre, y su interpretación hicieron que la película fuese todo un éxito y consiguiese el segundo Oscar para el cine español cuando todavía no había llegado la maquinaria Almodóvar y Amenábar. La puedes ver 25 veces y siempre te quedarás con Pe. Mítica.

Shaun of the dead de Edgar Wright (2004).
Esto no es “28 días después” ni “La noche de los muertos vivientes”: los tiros van por otro lado. Shaun es un vendedor de electrodomésticos corriente que un día recibe un ultimátum por parte de su novia, que está cansada de salir con los amigos de él y de que sus citas acaben siempre en el bar del barrio. Si todo acabara aquí, podríamos estar hablando de cualquiera de las historias de Nick Hornby, pero resulta que mientras Shaun intenta levantar su relación se topará con una invasión de zombies en el barrio, que hará que tenga que tomar el control para salvar a su familia. El argumento contado puede que no tenga ninguna gracia ni resulte atrayente, pero las interpretaciones de los dos protagonistas, los momentos en los que Shaun no es consciente de la invasión o las hilarantes formas de acabar con los zombies hacen que se te pasen los 100 minutos en un pispás. Mezcla de géneros (buddy movie, comedia slapstick, comedia romántica) es al género de las películas de zombies con el que finalmente acaba emparentada, y es, junto a “Hot fuzz”, un soplo de aire fresco y un punto intermedio entre la comedia sin gracia y el desparrame total de los Scary Movie y compañía.

Kiss Kiss Bang Bang de Shane Black (2005).
Además de una canción de Dionne Warwick, KKBB es un entretenidísimo acercamiento al cine negro protagonizado por un detective profesional y un ladrón de poca monta al que la vida lo envuelve en el misterioso caso de asesinato de una joven dentro del mundillo cinematográfico de Hollywood. De entrada la película echa para atrás tan solo mirando su ficha: el director, Shane Black, es el guionista de todas las Armas Letales y el productor es Joel Silver, artífice de cosas malas, regulares y buenas. Y está Val Kilmer, que no hace nada decente desde… no sé, la verdad. Pero una vez comienza la película todos los temores se desvanecen y disfrutamos de un tremendo Robert Downey Jr., de la réplica que le dan tanto Val Kilmer como Michelle Monaghan y de una trama que te mantiene en vilo hasta el final (vale, la escena final es una txarraná, pero por algún lado tenía que salir el pasado armaletalero). Y mientras, además, hemos disfrutado con la voz en off del personaje de Robert (que además de decirnos lo que está pasando en cada momento nos informa de las drogas que se ha tomado cada noche), la aparición estelar de Angela Lindvall, de una trama a lo Agatha Christie, de unos preciosos títulos de crédito y de un sentido del humor que parece reflejo de cómo se lo pasaron mientras hacían la película. Por cierto, a ver si adivinan quién canta el tema de los títulos finales…

Hot fuzz de Edgar Wright (2007).
Y como consecuencia de las dos anteriores, llega “Hot Fuzz”. Mismo equipo artístico que “Shaun of the dead”, que superaron su anterior reunión con la historia de este pedazo de policía acostumbrado a la acción que se ve destinado a un pueblo en el que nunca pasa nada (una especie de Doctor en Alaska). El sopor se vuelve insoportable hasta que en el pueblo comienzan a aparecer una serie de cadáveres que pondrán a prueba sus dotes de poli de ciudad. Bueno, las suyas y las de todos los habitantes. Otro ejemplo de buddy movie con gracia, hecha utilizando todos y cada uno de los recursos de las referencias de las que bebe, que no son otras que las películas de la serie Arma Letal. El whodunit es la excusa para ver hasta donde puede llegar la paciencia del policía, encargado de resolver el misterio pero también de lidiar con las mentes inocentes de todos los pueblerinos, que darán las situaciones más delirantes de la película. Y otra vez una química perfecta entre la pareja protagonista, que hace que estemos deseando una tercera reunión. Aunque si nos hemos quedado con las ganas, podemos recurrir a esto…

Mission:Impossible 3 de JJ Abrams (2006).
El artífice de una de las mejores series de televisión de todos los tiempos se ganó el odio de sus fans al cerrar el show de forma precipitada para montar Lost. A pesar de que Alias continuó una temporada más sin él, los fans no perdonamos la traición hasta que vimos esta tercera parte de la saga protagonizada por Ethan Hunt que no es más que un capítulo final, un homenaje y un resumen de lo que fue Alias. No aparecen ni Arvin Sloan, ni Sid, ni Irina pero toda la estructura de la historia, trucos de guión y demás están calcados de la serie protagonizada por Jennifer Garner. ¿Problemas? Ninguno, si has encontrado un método que funciona ¿por qué vas a hacer otra cosa? La polla con cebolla.

El mito de Bourne “Bourne Supremacy” de Paul Greengrass (2004).
Nadie dio un duro por Greengrass, que venía de dar la campanada con la estupenda Bloody Sunday, cuando se hizo cargo de la mejor película de la trilogía Bourne. Yo tampoco entendi que hacía un director de ese calibre en algo tan chusco pero, a veces, yo también me equivoco. Acción sólida, seria, sin tonterías para una historia de espías una y mil veces vista pero que en manos de un artesano de la categoría de Greengrass se convirtió en eso, en una cumbre del género. Paul volvió a intertarlo con la tercera parte de las aventuras de Jason Bourne y aunque es una película interesante, el guión no estuvo a la altura y no se consiguió repetir la magia de “la supremacia de Bourne”. No mola el título ni nada, ¿sabes?

Domino de Tony Scott (2005).
No voy a sacar la cara a Tony Scott porque su filmografía habla por sí sola. Sí diré que su hermano daría la mano izquierda por tener en su haber películas como Amor a quemarropa, El Fuego de la venganza, Deja Vu, Marea Roja o El último Boy Scout. Domino cuenta la historia, basada en hechos reales, de una chica de colegio de monjas que deja el mundo de la moda para hacerse cazadora de recompensas y repartir hostias como panes. En el camino acabará siendo protagonista de un reality con su vida como eje central donde también intervienen Brian Austin Green y Ian Ziering haciendo de ellos mismos. De verdad, la película es impresionante a la par que alucinante. Desgraciadamente, y aunque es una puta obra maestra, fue un fracaso en taquilla.

Margot y la boda “Margot at the wedding” de Noah Baumbach (2007);
Si les gustan las historias sobre reuniones familiares donde todos empiezan muy simpáticos y acaban echando pestes los unos de los otros, ésta es su película. Mucho más divertida, interesante y, en definitiva, mejor que la anterior película de su director, en “Margot y la boda” verán a dos hermanas hacer cosas sin sentido, poniéndose en ridículo y demostrando que ambas dos están como dos chiflos. El gran acierto del director y guionista es hacer que todos los personajes resulten entrañables aunque muchas veces el comportamiento de estos te desoriente totalmente. ¿Por que Jennifer Jason Leigh no hace más películas? Ahí dejo la pregunta.

Invasión “The Invasion” de Oliver Hirschbiegel (2007). Si no fuera por el final, esta nueva vuelta de tuerca a “La invasión de los ladrones de cuerpos” sería perfecta. Es difícil de creer, lo sé, y ni yo mismo daba un duro por la película pero el buen hacer de su director – la primera hora es para leventarse a aplaudir – me calló la boca. Abel Ferrara y Phillip Kaufman supongo que se comieron los puños cuando la vieron y no es para menos porque algunas escenas, casi todas en la primera mitad de film, son un ejemplo de tensión y suspense. Desgraciadamente, los estudios metieron la zarpa cambiando el desenlace y nos dejaron con las ganas de saber qué pasó realmente. Atención fans de Expediente X porque Cassandra Spender aparece en un papel secundario y, como siempre, se queja de marido.

Birth de Jonathan Glazer (2004):
No sólo la mejor película de ese año sino que también estará, con toda seguridad, dentro de los mejores títulos de la decada. Absolutamente hipnótica, con un lenguaje depuradísimo, el film de Jonathan Glazer – que ya avisó con Sexy Beast y sus videoclips – transforma un guión que en manos de cualquier otro se habría convertido en una insufrible y cursi tontería en algo que pocas veces, por no decir nunca, hemos visto en una pantalla. Si después de verla buscan en foros encontrarán miles de conversaciones sobre la preciosa escena inicial, la no menos bonita escena del final y ese primer plano de Nicole Kidman en la ópera: tres momentos que por si solos justifican el visionado de Birth. Fans de M. Night Shyamalan y su artesanía detrás de la cámara, prepárense a disfrutar con la historia de un niño que asegura ser el marido, muerto diez años antes, de Nicole Kidman y de como ésta acabará dudando hasta de su sombra. Imprescindible es poco.

Malas temporadas de Manuel Martín Cuenca;
Vi esta película por Nathalie Poza, actriz por la que siempre he sentido debilidad, y la sorpresa no pudo ser mayor. Una colección de personajes intentan salir como pueden de un bache emocional para acabar dándose cuenta de que no hay nada perfecto y tenemos que vivir con lo que hay. Junto En la ciudad, Malas Temporadas demuestra que el cine español puede hacer cosas interesantes contando historias úrbanas y actuales. A Nathalie Poza le tenían que haber dado todos los premios interpretativos habidos y por haber porque se come con patatas a todos sus compañeros de reparto. Y eso que Javier Cámara – que cuando no imita a Almodovar es un buen actor – está inmenso.

Bosque de Sombras (The Backwoods) de Koldo Serra.
Otro director joven chupando del cine americano de los 70 pero esta vez la copia tiene encanto, está bien contada y va más allá del pastiche. Gary Oldman está estupendo pero es Lluís Homar – otro que mejora cuanto más lejos está de Almodóvar – el que se lleva la palma en esta violenta película a lo Sam Peckinpah. Pulso firme, clásico también, y contención para una historia una y mil veces vista pero que acaba maravillando al espectador. Se agradece ver a un director joven cuidando tanto formalmente un film – las localizaciones y el escenario se convierten en un protagonista más – para una de las mejores películas del año pasado.

El prado de las estrellas de Mario Camus:
Con este trailer se le quitan a uno las ganas de verla pero la última película del director de Los Santos Inocentes es un ejemplo del talento que todavía le queda a Mario Camus. El placer de contar una historia, y de que te la cuenten, a pesar de que a priori ésta pueda carecer de interés. Cine clásico en la forma, también en el contenido, que en los tiempos que corren es más revolucionario que cualquier manifiesto dogma. Álvaro de Luna está increible y Marian Aguilera, actriz que debería dejar la televisión para hacer cosas más acordes a su talento, sobresalen dentro de un reparto estupendo. Una película imprescindible dentro del reciente, y lamentable, cine español. Buena oportunidad para recuperar El color de las nubes con una impresionante Julia Gutierrez Caba.

El Buscavidas (The Hustler) de Robert Rossen;
¿Cómo se mide la calidad de un videoclub? Algunos dirán que dependerá del número de copias que tengan del último éxito; otros hablarán de los conocimientos sobre cine del dependiente e incluso habrá gente, porque de todo hay en esta vida, que mencionará la limpieza e iluminación de la tienda, pero todo esto es secundario e incluso se podría decir que carece de importancia siempre que el dueño del negocio se pase la legalidad por el arco del triunfo y ponga a disposición de sus clientes películas que están reservadas exclusivamente para su venta y no para su alquiler. Totalmente ilegal pero, y esto es lo importante, nos permitirá disfrutar de auténticas joyas como El Buscavidas, uno de esos films que puedes ver sin cansarte tres veces seguidas, aprenderte sus diálogos e incluso, y de este último punto damos fe, hará que juegues al billar como si fueras el rey del mambo aunque no hagas más que agujeros en el tapete.
Hemos escogido esta escena para ilustrar el post pero podriamos haber cogido cualquier otra. Ella está enamorada de él y él sólo está haciendo tiempo hasta encontrar alguna partida mejor que le haga ganar pasta. Su primer “te quiero” emociona. El segundo te desarma.

Veredicto Final (The Veredict) de Sidnet Lumet.
O como a un cineasta, con la ayuda de David Mamet y Paul Newman, le basta un único plano para definir a un personaje. Jamás los comentarios del director han estado más justificados que en está edición especial de Veredicto Final. Una trama de telefilm se convierte aquí en uno de los ejemplos más significativos de ese género tan entrañable como es el cine de perdedores. Paul Newman ha estado inmenso en todas sus películas pero dudamos mucho que a lo largo de su carrera pudiera superar la interpretación de este abogado alcohólico que mantiene sus principios ante toda una panda de impresentables. Insistimos: el primer plano se debería estudiar en las escuelas de cine. ¿Charlotte Rampling? Una hija de puta.

Rock N’ Roll High School de Allan Arkush:
Los Ramones y Roger Corman: ¿hay quién de más? Sí, luego vendría Phill Spector y un poco gracias a la película salió End of the century. Vale, la historia es más larga pero con esto es suficiente para que empiecen a investigar. Rock N’ Roll High School es de esas películas que cuando se ve te convierten en mejor persona; más feliz, más inteligente, más culto… pero ojo, hay que tener cuidado porque cuando salgas a la calle y no veas a Johnny, Joey y compañía tocando sus canciones seguidos por 50 chavales te puede entrar un bajón del que te va a costar salir. Nosotros avisamos y el que avisa… Es posible que lean en otros sitios que la película es mala y que sólo tiene gracia si eres fan de The Ramones. Una falacia como otra cualquiera. Ni puto caso.