Recordemos de donde venimos: si con Volver Almodóvar vivió una nueva reconciliciación con el público masivo (la anterior había sido con Todo sobre mi madre), con Los abrazos rotos dinamitó cualquier atisbo de cercanía y costumbrismo que tan bien le había funcionado. El director, en un ejercicio de despresurización personal (no debe ser fácil abrirse en canal cada cierto tiempo) y consciente de haber alcanzado la cumbre de ese tipo de cine decidió pasar a otra cosa y se lanzó a contarnos una historia sobre directores de cine que necesitan acabar sus obras más que respirar, aderezándola con una frialdad impropia hasta ahora en su filmografía que no fue muy bien recibida (aunque tuvo sus defensores, y muy vehementes). Con el tiempo y un segundo visionado mis impresiones sobre la película no han mejorado demasiado, y más allá de los aciertos, reminiscencias de otras obras, algunas interpretaciones (no desde luego la de Blanca Portillo) y el reconocimiento de la valentía que suponía semejante ruptura con lo anterior poco salvaría de una historia con posibilidades pero ejecutada con una frialdad que impidió que muchos llegáramos siquiera a sentir un mínimo de aprecio por lo que se nos estaba contando.

No paro de escuchar que La piel que habito es un salto al vacío del director, un ejercicio de riesgo del que podía o no salir airoso. Una vez vista la película, debo confesar que el riesgo no me parece para tanto y que lo realmente arriesgado fue el haber parido una película como la anterior, capaz de abrir un camino (a machetazos, nada sutilmente y a sabiendas de lo que podía pasar) antes inexplorado: el de director que parece que por fin se ha despojado de sí mismo y está por encima de lo que el público piense y espera de él. Supongo que esa comodidad de no sentirte obligado a cumplir con una cuota de almodovarismo debe ser muy liberadora y te debe de dar la libertad necesaria para hacer cosas fuera de esos autoimpuestos límites. Y esto no significa que nada de lo anterior no haya servido para nada: significa que puede que vayamos a disfrutar todavía más que antes.

Tengo que decir que fui al cine con una sensación de derrota total. La historia, el hecho de que fuera una adaptación, las etiquetas (terror psicológico, mad doctors) y por qué no decirlo, Antonio Banderas, eran elementos que me echaban muy para atrás y que me ponían muy alerta sobre lo que estaba a punto de ver. Y tengo que decir que esa sensación se esfumó a los primeros minutos de empezar la película. Una serie de planos asépticos nos muestran las labores del cirujano en su laboratorio (sobrios pero potenciadores de ese desasosiego que va a estar presente en la película) y poco a poco vamos acogiendo a los personajes y nos preguntamos qué papel jugarán en el puzzle que se nos está presentando ante nuestros ojos. Y a medida que avanza la trama te dejas llevar, te impacientas porque la historia se desvía de su trama central, empiezas a construir un pasado y unas motivaciones para todos los allí presentes y te vas dando cuenta que casi nada en esta historia es gratuito y que podrías ponerte perfectamente en la piel de cada uno porque entiendes todas y cada una de las razones que los llevan a comportarse como lo hacen.

Y es precisamente ahí cuando surge el mayor activo de Almodóvar: una pasmosa habilidad para hacer verosimil en pantalla una historia que, sobre el papel, pintaba bastante mal (como en casi todas sus películas, la sinopsis de la misma, leída o contada puede provocar más de una carcajada o el más absoluto desinterés). Y sorprende que lo haga de una manera tan sencilla, tan fluida, con los mismos recursos de siempre (flashbacks, autohomenajes, música agobiante, referencias a otras obras…) y probando esta vez un registro que hasta ahora no sabíamos que podía manejar. Y todo ello contando con la valiosísima ayuda de la música de un Alberto Iglesias que, con clarísimas referencias Herrmannianas, potencia y subraya hasta lo desagradable algunas escenas, creando un ambiente de tensión insoportable que acaba explotando en golpes de violín espeluznantes. Son de agradecer también los momentos en los que el compositor visita terrenos a los que hasta ahora no nos tenia acostumbrados (la persecución en coche, por ejemplo). Y es una pena que esa manía de incluir temas musicales haga que la película, en un determinado momento, se resienta. El momento Buika no es el momento cantejondo de Volver pero no era necesario.

Para mi, que vivo cada cinta del director como un pequeño acontecimiento, el hecho de que me haya gustado de esta manera me hace reconciliarme conmigo mismo. No me gusta que Almodóvar no me guste y me molesta que a veces haga cosas con las que no comulgo, como si tuviéramos un contrato o como si sólo hiciera las películas para mi. Esta vez parece que me había querido dar una sorpresa y tenías varios ases en la manga, pues yo no lo he visto venir y esto ha hecho que me sorprenda aún más. Sus detractores (y no hablo de Boyero, hablo de gente normal) le critican el beber de demasiadas fuentes, incoherencias en el guión o alguna que otra decisión de cásting/escena. A mi todo eso me parecen detalles nimios que no deben nublar el juicio a la hora de decidir si la película es un Sí o un No. A mi me gusta que Almodóvar pique de aquí y allá a la hora de escribir sus guiones y hacer sus películas: y me gusta porque me amplia mis referencias. Es así de simple. Gracias a él he conocido a Sirk y nada más que por eso le estaré eternamente agradecido. Con respecto a las incoherencias de guión, pues yo no las llamaría tampoco así. Digamos que hay cosas que no están suficientemente claras y tampoco pasa nada. No creo que sean tan importantes como para hacer un cisma de ello. Y con respecto al polémico momento tigre, no puedo más que defenderlo a muerte: es el catalizador de toda la trama y tiene que estar ahí. ¿Que podía haberse ahorrado el disfraz? Pues sí, pero tampoco veo porqué. Está perfectamente justificado en el guión, así que no sé dónde está el problema. Y ya por último: ¿era necesario el epílogo? Absolutamente. Y que la gente muestre su incomodidad con una risa es absolutamente normal. No creo que el director pensara que eso no iba a pasar.

El binomio Greeengrass-Damon vuelve a colaborar tras las dos últimas entregas del agente Bourne, las cuales me hicieron retomar la confianza en cierto tipo de cine e historias que muy poca gente practica hoy en día y a menos aún les sale bien. A aquellos que les parecieron un horror, pues que miren para otro lado. No creo que aquí haya nada nuevo que les pueda hacer cambiar de opinión. La excusa para la nueva colaboración es la guerra de Irak y cómo se desarrollaron los acontecimientos que han llevado a la situación actual.

Y aquí habría que hacer una pequeña aclaración: la historia toma como base el libro “Vida imperial en la Ciudad Esmeralda” de Rajiv Chandrasekaran y añade y ficciona muchos elementos que no tienen porque ser reales. Más que nada porque ya me veo a hordas de espectadores afirmando que lo que ocurrió en Irak, las armas de destrucción masiva no encontradas y las conspiraciones del gobierno ocurrieron tal que así. Señores, esto no es más que un thriller de un tipo muy listo que intercala elementos, situaciones y personajes reales entre los ficticios, haciendo que, en conjunto, todo adquiera un halo de credibilidad que puede confundir a muchos.

Partiendo de esa base, podemos hacer una cosa. Dejarnos guiar por una historia que en el fondo no es más que un whodunit? ambientado en Irak acompañado de una trama de malos/buenos, información oculta y testimonios falsos. Si nos quedamos ahí tendremos dos horas aseguradas de acción, persecuciones (marca de la casa), momentos álgidos y unos 30 minutos finales de ceguera e infarto. Ceguera porque las calles de Bagdag no pueden ser más oscuras (el grano de la cinta es bestial en algunas escenas), pero que contra todo pronóstico, ayuda bastante al caos y a la angustia que acompañan el final de la película.

Si no nos conformamos con eso y rascamos un poco más, encontramos cosas que no me han gustado demasiado. Greengrass no trata de la misma manera a los dos bandos. La caricaturización del yankerío es bastante exagerada y poco creíble. Puede que todo lo relacionado con la guerra de Irak y los que han propiciado que todo haya sucedido de esta manera en nuestra cabeza sean medio lerdos, pero verlo reflejado en pantalla hace que chirríe muchísimo. No es creíble que una periodista del New York Times publique cosas como esas sin contrastarlas; no es normal que el representante del gobierno sea tan rematadamente tonto para creer que eso no saldría a la luz. Y sobre todo no es creíble que los “malos” sólo tengan una cara, y ésta sea tan patética. El guionista no les da la oportunidad de defenderse a ninguno de ellos. No sabemos qué razones tenían para hacer lo que hicieron, y esto indudablemente hubiera hecho la película más interesante. Y repito: puede que las cosas fueran así, pero al verlas en pantalla quedan terriblemente ridículas.

De todas formas el director no tenía la intención de hacer un In the loop (película, por cierto, bastante decepcionante porque aparenta tener más ironía y mala leche de la que realmente tiene) y nos da lo que nos promete. Resulta sorprendente ver cosas como la zona verde o descubrir cómo, tras la muerte de Saddam, no había planes de cómo seguir o el único plan que había era un fracaso antes de intentarlo. Todo esto, rescatado de las conversaciones que el autor del libro (y guionista) mantuvo durante su estancia en Irak con diferentes personas son lo más interesante de la historia, lo que nos lleva directamente a intentarlo con el libro y tomar la película como un complemento bastante digno al mismo, que entiende perfectamente que lo que funciona en papel no tiene porqué funcionar en pantalla y viceversa.

Sólo me puedo llegar a declarar fan de mi propia sombra, porque es oscura, silenciosa y nunca te abandona, pero me molesta muchísimo el desprestigio continuo hacia el trabajo de Penélope Cruz. Tanto me molesta y me aburre que puedo hacer una excepción y a partir de hoy voy a decir que es mi actriz favorita aunque no sea cierto. Casi 50 películas en escasos veinte años y por supuesto muchísima morralla. Ha maquinado interpretaciones dignas de que la encierren en una escuela de interpretación (¿Hay alguna Melibea peor en la historia del cine español?) pero otras muchas que merecen uno, dos y hasta tres aplausos. Tiene carisma, presencia de estrella clásica y encima me cae bien. Lo siento, pero creo que NO estoy equivocado.

LA GRAN AVENTURA DE PEE WEE (1985)

Tras su etapa en Disney y algunos cortos y mediometrajes para televisión, Burton debutó en la gran pantalla con esta simpática película. Warner le hizo un encargo que le iba como anillo al dedo, una película con el humorista Pee Wee Herman, un personaje asexuado de vestimenta peculiar y siempre con su bicicleta. El argumento es simple, cuenta las andanzas de Herman por toda América en busca de su bicicleta extraviada y sus continuos encuentros con todo tipo de personajes. La película tiene un tono felliniano y supuso el inicio del idilio entre Burton con su compositor de cabecera Danny Elfman. Tuvo críticas muy dispares, llegando a aparecer en las listas de las peores películas del año y al mismo tiempo a recibir elogios enormes. 6

BEETLEJUICE (1988)

Una comedia terroríficamente divertida, imaginativa hasta decir basta, cutre, casposa, con ese encanto del cine ochentero comercial que es totalmente inimitable. Todos los personajes de la película están divertidos hasta decir basta  y tiene secuencias inolvidables. Winona Ryder, gran musa para muchos que vimos esta película de niños, es la adolescente rarita y excéntrica que cualquier persona normal quiere ser. Me encantaría verla con un niño de los de hoy, porque seguro que le sigue pareciendo maravillosa. 7

BATMAN (1989)

Tras el éxito de BeetleJuice, la Warner confío a Burton el proyecto de adaptar a la gran pantalla las aventuras del hombre murciélago. Para está adaptación se abandonó el tono camp de la serie de los años sesenta y se optó por devolver a Batman el tono oscuro de las tiras originales. Una historia melancólica que incidía en el aspecto de la dualidad entre Batman/Bruce Wayne y que se convirtió en un inmenso éxito de taquilla en el verano de 1989. ¿Cuántos helados frigo de Batman te comiste aquel verano? Yo muchos.  7

EDUARDO MANOSTIJERAS (1990)

La obra maestra de Burton. Un cuento fantástico enternecedor de los que roban el corazón a cualquiera. Una historia de cuento tradicional adaptado al universo Burton, la historia del inadaptado que encuentra una familia y el amor pero que sigue sin ser capaz de vivir en un mundo hostil para alguien tan puro. Llena de soluciones visuales repetidas hasta la saciedad (esos planos de casas suburbiales del principio son la imagen más representativa de series como Mujeres Desesperadas o Weeds) y de momentos mágicos como el Avon llama, los cortes de pelo, las estatuas de hierba, el colchón de agua, la estatua de hielo, la casa-castillo… Johnny Depp y Winona Ryder son la pareja inolvidable que “aun nos hace bailar bajo la nieve”. Un clásico moderno. 9

BATMAN VUELVE (1992)

Burton afirma que volvió sobre el personaje de Batman porque las condiciones impuestas por el estudio en la primera entrega hicieron que esta sea la única de sus películas que no sentía como suya. En Batman Vuelve el universo de Burton aparece en todo su esplendor. En esta ocasión se trata de una historia en torno a la vulnerabilidad del héroe en una historia alocada y burlesca. Batman se enfrenta esta vez a Catwoman, sexy antiheroína que mantiene una relación de amor-odio con el hombre murciélago y con el Pingüino, un ser grotesco y deforme que surge desde las cloacas de Gotham. Unos malos de inmensa fuerza que relegaron a Batman a un segundo plano. Danny de Vito esta sensacional y Michelle Pfeiffer  como la Catwoman pega zarpazos cada vez que aparece en pantalla (¡miau!). Aún a día de hoy y a pesar de las nuevas aventuras del Caballero Oscuro dirigidas por Christopher Nolan, Batman Vuelve sigue siendo el mejor Batman. 8

Este el video del tema central de la pelicula. La estupenda Face to Face, uno de los últimos singles de Siouxsie & the Banshees.

PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (1993)

Escrita y producida por Burton y con Henry Selick en la dirección, Pesadilla antes de Navidad es una joya de la animación stop motion, un clásico moderno que en EEUU reponen en cines todos los Halloween. Cuenta la pasión arrebatada que sufre Jack Skellington, rey de las calabazas de Halloweentown, que cruza la puerta que lleva a Christmastown y queda tan fascinado que su único deseo será dominar la Navidad. El compositor habitual de Burton, Danny Elfman, se luce especialmente en los números musicales de esta pesadilla inolvidable. 8

ED WOOD (1994)

La película más prestigiosa de Burton  es este fantástico biopic del peor director de la historia del cine. Filmada en blanco y negro, es la mejor colaboración entre Burton y Depp, además de contar con la presencia de un entrañable Martin Landau, que gano un oscar por este papel, como Bela Lugosi. Ed Wood es la encarnación del típico personaje de Burton, un marginado e incomprendido, sin éxito pero poseedor de un inmenso entusiasmo para todo lo que se plantea. Es la única película de Burton basada en personajes reales pero todos los que aparecen en Ed Wood son  parte del universo Burton casi sin proponérselo. 9.

MARS ATTACKS! (1996)

El homenaje de Tim Burton a las películas de catástrofes y de invasiones alienígenas de los años 50 se saldó con críticas dispares. Con carta blanca para hacer lo que le viniera en gana y un presupuesto muy holgado, Burton contó en Marts Attacks! con un reparto coral de lujo al servicio de una “marcianada” irregular pero gamberra y divertidísima. No es tan irreverente como prometía pero es de esas que cada vez que la pasan por televisión la dejas para ver secuencias como la invasión de la Casa Blanca o a Sarah Jessica Parker con cuerpo de perro. 6.5

SLEEPY HOLLOW (1999)

Basada en un relato corto de Washington Irving supuso un retorno  a las atmósferas góticas y siniestras que tan buen resultado le habían dado en el pasado tras las críticas tibias que recibió con su película anterior. La leyenda del jinete sin cabeza funciona como anillo al guante al universo de Burton y el personaje de Ichabod Crane está hecho a la medida de Johnny Depp. Un cuento de horror entretenidísimo y con una puesta en escena estupenda. El problema que todo ya lo habíamos visto con anterioridad. La última película notable de Tim Burton. 6.5

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (2001)

El remake perpetrado por Tim Burton de una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos es inútil, insulsa, torpe y lo que es más grave enormemente aburrida. Una superproducción tremendamente fea, que no aporta absolutamente nada nuevo más allá de un final diferente que rompe con la magia del tristísimo final del original.  Penosa, aunque afortunadamente no la convirtieron en saga. 0

BIG FISH. (2003)

Esta película gustó a muchísimo público, algo que se escapa al control de mi neurona. Cuando la vi en el cine tenía a gente derramando mares a cada lado mientras yo deseaba hacer un Bowling for Columbine. Un intento nada disfrazado por hacer una película que le otorgara posibilidades de conseguir un oscar. Amable, blanda y dulzona hasta empalagar más que una palmera de chocolate del horno San Onofre. Está película sobre padres moribundos e hijos con cargo de conciencia es auténticamente vergonzosa en su manipulación sentimental. A veces se tiñe de un realismo mágico que recuerda a Gabriel Garcia Márquez, pero todo es tan forzado que ni eso lo salva. - 3

CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE (2005).

De la unión del cuento de Roald Dahl  y la imaginación de Tim Burton debería haber salido una película infantil increíble, de las que marcan a todo niño y que son recordadas por generaciones. El resultado final dudo mucho que entusiasmase a muchos. De nuevo una película aburrida y con un Johnny Depp emulando a Michael Jackson tan insoportable que hace muy difícil llegar al final de la película. Lo mejor como siempre el diseño de producción, aunque absolutamente todo huela a reciclaje.  2

LA NOVIA CADÁVER (2005)

Nos las prometíamos muy felices con el retorno de Tim Burton a la animación stop motion tras Pesadilla Antes de Navidad. Raudos y veloces corrimos hacia el cine para descubrir una historia cortada con patrón y sin ninguna capacidad de sorpresa. Va a ser que el verdadero talento detrás de Pesadilla antes de Navidad era Henry Selick. Al menos esta sí era divertida, claro que con 77 minutos si llega a ser aburrida era para exigir el dinero a la salida. 5.5

SWEENEY TODD  (2007)

Otra historia que sobre el papel parecía destinada en letras de oro para Tim Burton.  El musical de éxito en Broadway, acerca de un barbero y su compañera la señora Lovett que venden la más suculenta carne humana de todo un mugriento Londres, en versión Burton es un musical aburridísimo que no despega hasta la segunda parte. La partitura se hace insoportable cuando aparecen los dos jóvenes amantes (horroroso casting), Johnny Depp (nominado al oscar por este papel) aparece desganado y más sieso que un palo y sólo Helena Bonham Carter insufla algo de vida a una película presidida por la abulia. De nuevo lo mejor es la recreación de un Londres victoriano sucio, mugriento y hediondo junto a las autoreferencias a los momentos de esplendor pasado de la filmografía burtoniana. 3.

Los chanantes parodiaron estupendamente a Latina Burton en sus testimonio.  ¡Todo atrezzao!

Me gustaría poder decir que el hecho de que la vuelta de esta sección haya coincidido con el Oscar que ha recibido esta madrugada Jeff Bridges es una coincidencia de esas que hacen que la vida sea un poco más agradable. Mentiría si lo hiciese. No es que yo tenga nada en contra del protagonista de ‘Starman’. Al contrario, Bridges es un actor de los que ya no quedan, capaz de interpretar aún cuando aparece de espaldas, sin que se note, sin llamar la atención con tics o excesos y sin necesitar de grandes momentos de guión para llegar al espectador. Un ACTOR, en mayúsculas, que ha sabido llevar una carrera más que digna, sin hacer tanto ruido quizás como otros compañeros de generación pero que, desde luego, tiene unos cuantos títulos que serán vistos dentro de 50 años. Entre esos títulos no estará, y no creo que me equivoque, ‘Crazy Heart’, una película discreta y pelín aburrida que tarda mucho, demasiado, en permitir que Jeff saque a relucir lo mejor su repertorio. El director y guionista, del que ni me voy a molestar en quedarme con su nombre, se pasa todo el metraje subrayando absolutamente todo – hasta un telefilme es más sutil – y sólo en los 20 minutos finales deja a Bridges el espacio suficiente para que éste despliegue todo su talento. Con esto no quiero decir que la interpretación sea mala, o regular, ni mucho menos, pero los que hemos visto de lo que es capaz este hombre, sabemos que con ‘Crazy Heart’ se queda a medio gas. El hecho de que se marque algún punteo de guitarra o que interprete él mismo las canciones – con esa voz ya podrá – tiene su mérito pero, insisto, si nos gusta Jeff Bridges es precisamente porque nunca ha necesitado de este tipo de chorradas para convertirse en uno de los mejores actores de la historia del cine. Aquí van, sin ningún tipo de orden, tres películas que suponen, además de una muestra del talento de nuestro actor protagonista de hoy, tres ejemplos de películas que puedes ver 14 veces y 14 veces que te quedarás con la boca abierta.

Una mujer difícil The Door in the floor de Tod Williams (2004) Los que quieran saber más sobre Tod Williams o sobre la novela de John Irving no tienen más que buscar en google y seguro que obtendrán unos resultados totalmente satisfactorios sin necesidad que tenerme a mi copiando y pegando. Lo importante de esta película es, obviando la indiferencia con la fue recibida en el momento de su estreno, que sólo necesitas 10 segundos de visionado para darte cuenta de que estás ante algo especial. Especial por su ritmo, su atmósfera, su guión, sus actores – Kim Bassinger nunca ha estado mejor -, por lo que dice, por lo que no dice, por cómo el personaje de Jeff Bridges introduce en su relatos aspectos de la vida real, por la escena de la tienda de marcos, por los pechos de Mimi Rogers, por esa otra escena en que Kim Basinger le deja al chaval su ropa interior dispuesta encima de la cama para que éste se pueda masturbar a gusto, etc. ‘Una Mujer Difícil’ es bastante barata y fácil de conseguir. Hace poco la regalaron con Público y creo que la he visto en la fnac por 5 euros. Deberían verla.

La última película Last picture show de Peter Bodganovich (1971)
Si han leído el libro de Peter Biskind, “Moteros Tranquilos, Toros Salvajes”, estarán al tanto de todas las anécdotas y chascarrillos que propició su rodaje y posterior estreno. Se rodó en una época maravillosa para el cine de Hollywood donde hasta el más gilipollas de la clase conseguía rodar una película, apoyándose en los ‘logros’ del cine europeo, y le quedaba cuasi perfecta. Y eso que la historia que narra el film dirigido por el psiquiatra de la Doctora Melfi no puede tener un punto de partida que me interese menos. Tampoco ese tufillo a ‘voy a hacer una película europea’ ayuda pero, las cosas como son, ‘La última película’ es algo bastante especial. Uno de esos casos en los que se juntan la suerte, el talento o la inspiración y se consigue algo que nunca jamás, por mucho que reunas a los mismos personajes 20 años después, puedes volver a lograr. Peter Bodganovich, aunque siguió rodando y consiguió algunas cosas destacables, fue engullido por el éxito de esta película y jamás volvió a leventar cabeza. Suponemos que le dará igual porque al menos consiguió dirigir la que es si duda, al menos para mi, una de las mejores películas que se han hecho jamás. Da un poco de cosa ver a Jeff Bridges y a Cybill Shepherd hechos unos chavales. Uno con todo el talento del mundo para interpretar y la otra… tan guapa.

Los Fabulosos Baker Boys The Fabulous Baker Boys de Steve Kloves (1989)
Alguien debería estudiar el caso de Steve Kloves porque yo, por más lo intento, no consigo entender como un tío que escribe y dirige una película tan única como ésta – entendiendo única en el sentido de que jamás se volverá a hacer algo así – termina escribiendo los guiones para Harry Potter. Otra vez, y como en el caso anterior, al menos él puede presumir de haber rodado una puta obra maestra que sólo tiene un fallo. Es gordo, sí, y cuando recuerdas lo mucho que has disfrutado viendo la película siempre te viene a la mente, con el ruido de un motor de F-16, a estropearte el recuerdo. Sí, estoy hablando de la escena del casting. Obviamente no me refiero al casting de Michelle Pfeiffer – por cierto, alguna vez se han preguntado por qué esta mujer goza de tan buena prensa cuando no hace más que putas mierdas? Pues por ‘Los Fabulosos Baker Boys’. Estoy seguro de que después de su rodaje podría haber asesinado a toda la familia Kennedy y aún así el público la seguiría queriendo – sino al casting de todas las demás candidatas. Apenas dura 5 segundos pero, de verdad, ahí está la diferencia: por eso los críticos de cine siguen afirmando que todavía no se ha rodado la película perfecta.
Al comienzo del artículo me quejaba de que en ‘Crazy Heart’, Jeff Bridges no tiene el espacio suficiente para desplegar todo su talento. Bien, pues en ‘Los fabulosos Baker Boys’ ocurre todo lo contrario. La escena en la que llega a casa, resacoso, y se tumba en el sofá con el perro hasta que aparece la niña/vecina debería haber bastado para que le hubieran dado un Oscar no, 63. Si no recuerdo mal, él no abre la boca y no hay más acción que la que yo he descrito pero es suficiente para dejar al espectador un par de cosas claras.

En general, no suelo confiar en mis habilidades ‘literarias’ – iba a poner ‘periodísticas’ pero es que eso tampoco – a la hora de convencer a alguien para que vea una película pero en los tres casos que nos ocupan hoy ni juntando el buen hacer de Ellroy/Capote/Cunningham se podría escribir algo que hiciese justicia a tanto talento. Lo único que puedo añadir es que es bastante fácil conseguir los dvd´s y creo que por menos de 20€ pueden tener en la estanteria de su casa tres películas realmente necesarias. También, supongo, se podrán bajar de internet. Cualquier opción es buena.

Up in the Air intenta mostrarse como una producción a medio camino entre una superproducción de Hollywood y el cine independiente. Como las anteriores películas de Reitman, no incomodará a nadie. Son películas para contentar a todos los públicos, que aparentemente tratan importantes temas, pero con visiones nunca excesivamente polémicas ni comprometidas. A las tres las salva que Reitman sabe expresar esas ideas con un mínimo de buen gusto en la pantalla y un sentido narrativo y de la puesta en escena bastante preciso.

Up in the Air (¿tan difícil era titularla Arriba, en el Aire o En las Nubes?) cuenta la historia de Ryan Binghan, un individuo solitario cuyo trabajo es comunicarles su despido a los empleados de grandes compañías. Para realizar su trabajo se desplaza en avión de una ciudad a otra, 322 días al año volando sin tener que preocuparse por su vida en tierra. Su acomodada vida está a punto de trastocarse cuando una ambiciosa joven propone que, para ahorrar costes, el trabajo de Bingham se realice por videoconferencia aunque se pierda en factor humano. A pesar de su argumento, el tema central de esta película no es el paro y las consecuencias de un despido. Up in the Air, no es más que una fábula americana, muy Frank Capra, en torno a la soledad de un hombre que desea vivir solo pero que acaba por darse cuenta de la importancia de todo aquello que hay en tierra.

En la primera parte de la película Reitman describe meticulosamente la forma de pensar de Bingham, su aislamiento, su profesionalidad y eficacia y sus relaciones esporádicas (con el personaje de Alex). Bingham, obsesionado con acumular millas de viaje, es un solitario tan encantado con su vida que cuando en el último tercio de la película se produce una transformación, nada resulta creíble por brusco y precipitado. Los flirteos con Alex (sobria Vera Farmiga) carecen de la pasión suficiente para provocar semejante giro en el carácter de Bingham, y la sorpresa final se huele a leguas. Más interesante resulta el contrapunto entre Bingham y la joven Natalie (excelente Anna Kendrick), que quiere comerse el mundo pero al final descubre que no puede hacerlo pasando por encima de los demás. Una interesante reflexión entre dos formas de labrarse una carrera.

Up in the Air sería imposible de ver sin el buen hacer de George Clooney, tan en estado de gracia como casi siempre. Si esta película estuviera protagonizada por otra estrella masculina de Hollywood, sería prácticamente imposible establecer un mínimo de empatía con un personaje como Bingham. Un personaje que trabaja despidiendo a gente y que adora todo lo que el resto del mundo odia sólo puede estar interpretado por alguien con un enorme carisma. Clooney suma aquí otro registro más a su ya larga carrera de buenos papeles. Creo que era Hitchcock el que decía en sus conversaciones con Truffaut (esto no es un texto académico ni nadie me paga por ello, así que tengo derecho a equivocarme) que Cary Grant le parecía tan buen actor que incluso cuando aparecía en un plano de espaldas a la cámara era brillante. No tengo duda de que si Hitchcock viviera diría lo mismo de Clooney y le alternaría en sus películas con Cary Grant y James Stewart. Clooney, actor que remite al Hollywood clásico por su físico y su buen hacer, nunca ha necesitado disfrazarse, ponerse narices postizas, cambiarse el color del pelo ni imitar acentos para hacer creíbles sus personajes sin dejar de ser él mismo. Eso sí, el Oscar se lo otorgaron cuando engordó bastante para Syriana.

Enormemente descompensada entre las intenciones del primer tercio de la película y en lo que se acaba convirtiendo, Up in the Air es un título  conservador, muy del gusto de la Academia de cine, como se ha traducido en las 6 importantes nominaciones al Oscar conseguidas. Podría haber sido una película notable, se queda en menos.  5

Coinciden la cartelera (y en las nominaciones al oscar) tres películas que de forma muy diferente abordan la educación y sus consecuencias. A otra obra maestra de Michel Haneke, La Cinta Blanca y la sobrevalorada Precious se ha sumado esta semana la británica An Education.  En la cinta de Haneke, el austriaco advierte como una educación represiva e ideológica conlleva consecuencias extremas e impredecibles. En Precious, Lee Daniels ofrece una perspectiva muy simple en la que el desarrollo personal de la protagonista pasa por aprender a leer y escribir. De An Education, a pesar de su sencillez formal y argumental, se extraen interesantes reflexiones acerca del proceso educativo, tanto el académico como el personal.

An Education está ambientada en la Inglaterra gris de finales de los 50 (antes de los Beatles, como dice la publicidad). Cuenta la historia de Jenny, una excelente estudiante de casi 17 años que a punto de entrar a estudiar en Oxford conoce a David un treintañero que la deslumbra, sacándola de la rutina. Un nuevo mundo se abre ante ella y se debate entre la educación y el hedonismo. La película muestra el proceso de apertura al mundo de Jenny. David la lleva a Paris, a conciertos de jazz, a cenar a restaurantes, le hace vestir con trajes caros, la lleva a subastas de arte, todo lo que siempre ha soñado conseguir, pero por la vía rápida, sin esforzarse en conseguirlo por sí misma. En este trayecto Jenny descubre que nuestros conocimientos no se adquieren sólo en un aula y gracias al esfuerzo sino también gracias a la experiencia personal y social.

Es en este aspecto donde se encuentra lo más interesante de An Education, en cómo se forman los seres que somos gracias a las experiencias que vamos acumulando, tanto en la escuela y en la universidad como en el día a día, en el contacto con el mundo exterior y por decisiones propias. Jenny lee a Camus y Sartre, escucha música francesa y le gustan los pintores prerrafaelitas. Probablemente nadie en el colegio le ha hablado de eso y es su experiencia fuera del colegio la que le ha llevado hasta eso, algo que la enriquece mucho más como persona, que la hace diferente de las otras chicas con el mismo uniforme.

Mientras veía An Education pasaron por mi cabeza los momentos, personas, lugares y hechos fortuitos que me llevaron a leer algunos libros, escuchar otros discos, ver aquella película o la exposición esa que estaba tan bien. Esos momentos, personas, lugares y hechos fortuitos los recordaré siempre… las clases de matemáticas nunca y las de la universidad aún menos. Lo primero me define como persona, lo segundo no. Entre ambos tipos de educación se debate Jenny cuando le dice a la directora de su colegio que ahora los jóvenes no sólo necesitan que les eduquen sino también saber para qué.

La historia de Jenny y David y el nuevo mundo que se ha creado la joven, se desmorona como un castillo de naipes cuando descubre que David no ha sido del todo sincero con ella. La decisión final entre seguir con él o entrar en Oxford es mucho menos interesante que el trayecto previo. Una resolución, la de que con los errores también se aprende, correcta y tópica, pero permisible gracias a una estupenda línea de guión “Me siento más mayor pero no más madura”. A lo largo del trayecto de la historia, Jenny evoluciona como se espera de ella aunque realmente acaba como un nuevo lienzo en blanco, listo para sumar más experiencias a la mochila que lleva a sus espaldas, en una educación que no ha hecho más que empezar.

La película, que está dirigida por Lone Scherfig (Italiano para Principiantes, Wilbur se quiere suicidar), es ágil y formal en su puesta en escena, sin mostrar nunca soluciones especialmente brillantes ni unos diálogos especialmente intensos. La protagonista Carey Mulligan (vista en la última adaptación de Orgullo y Prejuicio) es la mejor baza de la cinta, posee una inmensa naturalidad, una interpretación llena de matices y expresividad. Ha acumulado premios por medio mundo y podría dar la sorpresa el próximo lunes llevándose un oscar que sería un reconocimiento muy justo.  El resto del reparto está igualmente notable, compuesto por Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Olivia Williams, Cara Seymour, Rosamund Pike (hermana de Mulligan en Orgullo y Prejuicio) y una fugaz Emma Thompsom.

Una película agradable y correcta de la que se podía haber esperado más. 6.

Tras leer su argumento y ver de donde procedían los comentarios elogiosos y de donde los negativos, mis expectativas previas ante esta película pasaban por acabar haciendo un corte de mangas en mitad de la proyección y pirarme indignado. Como el masoquismo es una virtud, no podía perderme una película que tenía pinta de ser peor que Mar Adentro. En el fondo Precious ha sido peor de lo que esperaba, porque me quede en la butaca hasta el final  mientras que las emociones se evaporaban de mí ser como el agua en mitad del desierto. Entre una película abominable y una que me deja indiferente siempre prefiero salir espantado. Al menos es más divertido.

Sin más preámbulos. Precious, la protagonista de la película, es una adolescente de 16 años negra, pobre, casi analfabeta, maltratada por su madre, obesa mórbida, violada por su padre, con un hijo con síndrome de down y embarazada de otro, ambos engendrados por su propio padre y entonces la expulsan del colegio. ¿Sigo? Así es el presente de Precious. Si esta película estuviera dirigida por un blanco posiblemente hubiera habido barricadas en la puerta del cine, pero no hay que olvidar que esto es un proyecto bendecido por la todopoderosa Oprah Wimphrey, líder de opinión en EEUU y especialmente para la comunidad negra. En breve Ana Rosa Quintana hará algo parecido con una Yoli, Juani o Sheila y ya tenemos (otro) día del orgullo poligonero en una futura ceremonia de los Goya.

Precious, adaptación a cargo de Lee Daniels de la novela superventas Push de la escritora Sapphire, juega a la baza del tremendismo para contar una historia de superación personal. Pretende ser realista y es tan real como un cuento de hadas. Propone un discurso tan obvio y tan asquerosamente buen rollista que el mensaje final de la película es que deberías ingresar en un sanatorio emocional si no comulgas con él. ¡Pues ya ves! Precious no es más que un telefilm grotesco y sobredimensionado  con resoluciones de puesta en escena llenas de un feísmo sórdido y grotesco. Especialmente patéticos son los momentos donde Precious imagina como sería su vida perfecta, como modelo o cantante, están mal rodados, dan auténtica vergüenza ajena y no aportan absolutamente nada a la historia.

Precious se sustenta sobre la labor de sus intérpretes principales. La joven novata Gabourey Sidibe en el papel de Precious es una presencia monstruosa, como un gorila, brillante en sus silencios, un gran acierto de casting, lo de gran actriz es otro cantar.  Mo´Nique en el papel de la madre, está sobresaliente, una presencia magnética, la madre más mala que he visto en una pantalla desde la madre de Carrie. En la escena final, me dieron ganas de levantarme y aplaudirla, sobresaliente interpretación. Los personajes secundarios no ayudan en absoluto a levantar esta historia, la profesora lesbiana interpretada por Paula Patton viene a ser una versión Harlem de Santa Teresa de Jesús. El enfermero que interpreta Lenny Kravitz tiene como única finalidad darle un papel a Lenny Kravitz y la trabajadora social a la que pone rostro Mariah Carey (sin lingotazos de por medio parece) distrae enormemente por culpa de ese gesto continuo de actriz que no lo es, llevarse la mano a la cara. Las compañeras de clase de Precious son una sucesión de clichés que al menos provocan algún momento grotescamente divertido, están la guarra, la que quiere ser famosa, la delincuente, la inmigrante y la madre soltera (y no es un chiste).

Poco más hay en una película hueca, maniquea, estereotipada, sensacionalista y vulgar. Un panfleto sobre el poder de liberación de la educación que básicamente viene a decir que da igual las desgracias que te pasen en la vida si aprendes a leer.  En un combate frente a frente entre Precious y el Job de la Biblia, la pobre Precious arrasaría. Y no hago este comentario porque sí, Precious desprende doctrina ecuménica por los cuatro costados. Esta historia en torno al poder de superación personal hará las delicias de los católicos más ortodoxos. Amen.

 

 The Hurt Locker (En Tierra Hostil) es la película que parte como favorita para hacerse con los principales premios en la próxima ceremonia de los oscars. Ojalá sea así, pues visto la escasa calidad de la mayoría de las restantes propuestas (y eso que este año hay diez), solo Up o los Bastardos de Tarantino merecerían el reconocimiento dorado.

El morbo va servido. The Hurt Locker está dirigida por Kathryn Bigelow, la ex mujer de James Cameron, multinominado por la cinta infantil sobre pitufos guerreros Avatar. En el caso de ganar el premio a mejor película o mejor director, sería la primera que este reconocimiento le es otorgado a una mujer. Bigelow (que a sus 59 años sigue estando buena), tiene una carrera irregular pero siempre interesante (Le llamaban Bodhi (1991) y Días Extraños (1995) como puntos álgidos) marcada por un exceso de testosterona, así la Academia de cine americano puede sentirse tranquila por evolucionar más lentamente.

En Tierra Hostil no es una película sobre la guerra sino como dice Bigelow, una película de guerra. Desde la primera secuencia Bigelow nos introduce en el día a día de un comando de soldados estadounidenses destinados en Irak. Cada momento puede ser el último, nunca se sabe por dónde va a llegar una bala, tras que ventana se encuentra un rebelde y cuando va a estallar la siguiente bomba. También es una película de tesis, que intente demostrar la frase con la que se abre la película, “la guerra es una droga” y lo hace con firmeza y con soluciones de puesta en escena audaces y brillantes. Estos soldados se enfrentan día a día a un trabajo (Bigelow refuerza la idea del soldado como trabajador recordando cuantos días les quedan para ser reemplazados) como una auténtica droga, un chute que les recoloca en un mundo donde muy probablemente no tienen claro su papel.

El personaje principal de En Tierra Hostil es el sargento James (Jeremy Renner), un militar especialista en desactivar explosivos que está hecho de una pasta completamente diferente a sus compañeros. El sargento James es un héroe atípico, que vive cada momento del día y de la batalla como un acto erótico (algo que me recuerda en cierto modo a la dualidad sexo-coches propuesta en Crash por Ballard en novela y David Cronemberg en cine). Es un héroe adicto a la adrenalina, que no se cuestiona los motivos de sus acciones ni porque está en una guerra que es ajena, simplemente actúa. Es una nueva tipología de héroe sin motivaciones claras más allá de su propia alienación y su necesidad de supervivencia en un mundo hostil.

Irak filmado por Kathryn Bigelow (realmente la película está rodada en Jordania) es un territorio amenazante e incomprensible para el soldado occidental. Las amenazas surgen al doblar cada esquina, los callejones son oscuros, las bombas surgen del suelo como larvas invisibles en lugar de caer del cielo y cualquier civil puede ser un insurgente rebelde. Bigelow muestra esto con soluciones brillantes como cuando la primera bomba estalla al sargento Thompson y el suelo se levanta como si de la erupción de un volcán se tratase, o los continuos planos de los civiles en las ventanas, que resultan amenazantes y ofrecen una tensión extrema. Otro acertado detalle es el tiempo empleado por Bigelow para demostrar como el sargento James se introduce en su traje de seguridad, parece un auténtico astronauta en mitad de un suelo polvoriento. Un extraño en otro planeta, un extraño En Tierra Hostil.

 La tensión y la adrenalina que desprende esta película es máxima y siempre en grado creciente, las acciones se suceden en bloques a modo de set-pieces propias del cine de acción. Cada secuencia es más complicada, truculenta y cruel respecto a la anterior y son muy escasos los momentos en los que Bigelow abandona el campo de batalla, y lo hace para mostrar a unos soldados violentos y borrachos. No hay tregua. Bigelow no pierde tiempo en tramas secundarias ni en dar rodeos, va directa a la acción (Si, está es una película de acción) y eso no le impide que sus personajes desarrollen un arco dramático complejo. Muy buena.